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jueves, 30 de noviembre de 2017

AFFINITY - S/T (UK, 1970)

Volvemos a los 70 para hablar un poco de uno de mis discos preferidos de siempre, el único editado por Affinity antes de desaparecer como grupo un año después.

Del grupo suele hablarse siempre de Linda Hoyle, sin duda una de las grandes voces femeninas del momento, aunque lo cierto es que en conjunto Affinity estaba formado por muy buenos músicos en todas sus lineas, desde la sección rítmica con Grant Serpell y Mo Foster, como en la guitarra de Mike Jupp (aunque un poco secundaria en este caso) y sobretodo en el Hammond de Lynton Naiff con algunos momentos muy buenos a lo largo del disco.

El disco que, al menos en su edición original constaba de 7 temas (después ya vinieron las ediciones con extras), combina com mucho acierto rock progresivo, psicodelia, pinzeladas soul y jazz y algo de blues en temas variados y donde la voz de Linda Hoyle la verdad es que le da una plus al asunto. Hubiera sido un buen disco igualmente, pero es un valor añadido que hace que destaque.

Me sobra un poco "I Wonder if I Care As Much" por poner un pero, pero lo demás es excelente, desde mi favorita "Night Flight", pasando por la sugerente "Mr Joy", la agradable "Coconut Grove" o ese gran colofón final que es la versión de 11 minutos de "All Along The Watchtower".

Un disco muy solido y equilibrado y uno de los mejores ejemplos de hard progresivo de los 70 que nos podemos encontrar, y por supuesto un álbum imprescindible si lo que te van son este tipo de sonidos del periodo finales sesenta principios setenta.



sábado, 23 de septiembre de 2017

SAMUEL PRODY - S/T (UK, 1971)

Excelente disco de hard rock primitivo, con bastante aire underground en cuanto a sonido y por supuesto en cuanto a repercusión, pero sorprendentemente bueno. El sonido de Samuel Prody es duro y bruto, y recuerda a otras bandas como Ancient Grease, Yesterday's Children, Sir Lord Baltimore o Blue Cheer.

Como suele ocurrir con este tipo de discos, lo que más me gusta de Samul Prody es esa confluencia de proto-metal, blues rock y rock psicodélico que caracteriza a estos trabajos y que con tanta naturalidad se entremezcla en sus temas. A esto hay que añadirle un sonido bastante crudo y poco pulido y una ejecución que es bruta pero que técnicamente es más que eficiente, con una buena sección rítmica y una gran guitarra solista. Asímismo, las siete canciones que forman el disco son muy disfrutables y este no tiene altibajos en un artefacto de descarnados sonidos de primitivo hard rock. Solo "Hallucination" se sale de la tónica general buscando un poco más el formato jam tribal en un tema con diferentes partes aunque nunca llega al exceso.

Solo dejaron este álbum este cuarteto de Brighton pero en mi opinión es una pieza de obligada escucha, un disco cuyas bondades musicales no se corresponden con su reconocimiento, puesto es poco conocido en comparación de otros de estilo y calidad similares. 

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Scat Shuffle"

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viernes, 23 de junio de 2017

CREEPY JOHN THOMAS - S/T (UK, 1969)


Puede que Creepy John Thomas sean solo una de las muchas bandas del underground del acid blues inglés que pululaban por ahí y que solo dejaron un par de discos que quedaban lejos de ser deslumbrantes, pero por lo que sea tienen algo, cierto toque personal que a mí personalmente me acabó tocando la fibra hace ya muchos años cuando los descubrí.

Tenía ganas por tanto de rescatar algo de esta gente así que me lancé a este disco homónimo con el que debutaron en 1969, al que le seguiría un disco de nivel similar al año siguiente titulado Brother Bat Bone (1970). El álbum es, como comentaba antes, un poco irregular en cuanto a que combina temas de potente sonoridad con otros más intrascendentes aunque lo que me gusta del disco es un poco su sonido en conjunto, ese blues que tiene algo de oscuro pero que al mismo tiempo conserva su toque ácido gracias sobretodo a la guitarra solista. El estilo del cantante también me mola bastante con esa voz carajillera que recuerda un poco a Stack Waddy o la Edgar Broughton Band, aunque no tan brusco como estos grupos.

Destacan cortes como "Gut Runs Great Stone", "You've Got to Hide", "Green Eyed Lady" o "Trippin Like a Dog and Rockin Like a Bitch", donde nos muestran esa peculiar combinación de blues rock, boggie rock y quasi-hard rock psicodélico, que infunde al asunto un aire como decía bastante personal con ese punto sucio que tiene el grupo. Después también encontramos algún tema un poco más de relleno quizá, como puedan ser "Bring Back The Love" o incluso "Ride a Rainbow" aunque tampoco es que haya temas que desentonen demasiado.

Un álbum para mí un puntito por encima del siguiente y que es muy interesante por su sonido y la verdad, me ha sonado mejor de lo que lo recordaba. Recomendable para fans del periodo. 


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Gut Runs Great Stone"

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martes, 13 de junio de 2017

TRACTOR - Tractor (UK, 1972)


Ponerle nombre a tu grupo puede ser tan fácil como asomarte por la ventana de tu cocina y ponerle el nombre de lo primero que veas (en este caso un tractor). Y eso fue lo que parece ser hicieron estos ingleses, aunque el cambio de nombre de The Way We Live a Tractor tampoco parece que tenga demasiado sentido a no ser que la robustez del tractor se empareje también a su música, pues definitivamente este disco de Tractor es más potente que ese más que decente disco de The Way We Live de 1971. Es más, A Candle For Judith me parece un gran disco, aún con sus altibajos.

Y es que precisamente de altibajos también habría que hablar en este álbum, que tras el atronador inicio con "All Ends Up" y "Little Girl in Yellow" con el fuzz a tope, atraviesa una parte intermedia que mezcla lo convencional ("Ravencroft's 13 Bar Boogie") con su varienta más calmada ("The Watcher", "Shubunkin") para volver en su parte final a mostrarnos de nuevo su lado más crudo y salvaje en los últimos cortes.

El disco no es fácil de catalogar. Alguien debió hacerlo en un principio y se le ocurrió incluirlo en el rock progresivo aunque no es una etiqueta demasiado acertada en mi opinión, pues aunque en ciertos aspectos y momentos su instrumentación sí que se asemeja a estos sonidos ("Everytime it Happens"), yo en general lo veo más cerca de la psicodelia y el heavy psych por el uso de Jim Milne de la guitarra fuzz (también en las voces: vease "Make The Journey") y por esa variedad e indefinición que al final queda tras escuchar el disco, aunque como digo uno lo situaria más en el sonido, no de 1972, sino de dos o tres años antes.

Ah! Y como dato sorprendente que yo ni sabía, esta maravilla se la guisan y se la comen el citado Jim Milne (guitarra, bajo y voces) y Steve Clayton (bajo y batería), un formato el de duo poco habitual en esa época pero que no obstante obtiene en este disco un gran resultado. Es más, tengo entendido que por el año 2007 se volvieron a reunir para grabar alguna cosa o actuar, no lo tengo muy claro.

En fin el disco sobretodo por su principio y su final es muy recomendable. La parte central le resta un poco pero hay que escucharlo sí o sí.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "All Ends Up"

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viernes, 5 de mayo de 2017

DEEP PURPLE - St (UK, 1969)


Tengo que reconocer que los discos de Deep Purple de la primera formación fueron unos desconocidos para mí hasta hace relativamente poco tiempo. Aunque, como la mayoría, Deep Purple fueron de esos grupos con los que me inicié en esto del rock, fue esa exitosa segunda etapa con discos como In Rock, Machine Head o Made in Japan la que acaparó mi atención durante mucho tiempo. Incluso los discos con Coverdale o alguno de los 80 los tengo más machacados que estos de la primera época.

Y si bien es cierto que no podemos decir que esos tres primeros discos de Deep Purple son desconocidos, porque no lo son, porque el grupo es enorme, sí que es cierto que un disco como este homónimo no es demasiado valorado ni comentado cuando se habla de las grandezas de la banda.

Es verdad que el paso de este disco al siguiente con el magistral In Rock es una de las transformaciones más increibles vistas en rock, una evolución que cambió la historia del rock más duro ya para siempre y a cargo de una formación realmente emblématica, pero también es cierto que este disco homónimo recoge los mejores momentos de Deep Purple en esos primeros años y es un disco increiblemente bueno en su estilo.

Es curioso porque cuando lo escuché por primera vez, ya llevaba tiempo peinando y machacando el underground setentero, por lo que el disco me sorprendió mucho pues descubrí que una de las bandas más míticas tenían un disco que reproducía los sonidos de las bandas que andaba buscando y escuchando todo ese tiempo, esto es, el disco donde Deep Purple abrazan la psicodelia, el rock progresivo o el blues, y en mi opinión mejorando respecto a sus anteriores álbumes.

Así pues, encontramos a un grupo más hecho que en el Shades o el Book of Taliesyn, de hecho se dice que titularon este disco como Deep Purple porque creían haber facturado ya el disco que les iba a lanzar al estrellato, aunque lo cierto es que por una cosas u otras su repercusión fue poca. Y fue una pena porque es un gran disco. Un disco donde por una parte ya vemos la maestría de Blackmore, Paice y Lord en los instrumentos, y por otra nos ofrece una suceción de grandes temas de hard rock y prog rock con una marcada ascendencia psicodélica bajo el matiz de la voz de Rod Evans. Temas como "Chasing Shadows", "Blind", "The Painter" que marcan el paso previo al proto-metal que desarrollaran más tarde y que son ya cortes de una gran factura, o por supuesto "April", la canción de 12 minutos que cierra el disco y donde Deep Purple muestran su vertiente más progresiva.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "The Painter"

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viernes, 7 de abril de 2017

GINHOUSE - St (UK, 1971)

Sorprendente disco este de Ginhouse. A decir verdad, conocía el disco desde hace tiempo pero le había dado no más de dos escuchas en su momento y lo había dejado olvidado en el cajón hasta hoy, que me he decidido a rescatarlo.

Por los motivos que sean (ya que prácticamente no recordaba como sonaban estos ingleses) tenía la idea de que su música era más un hard rock más clásico y rudo pero lo cierto es que este álbum tiene aspectos que definitivamente expanden más el campo de acción de unos Ginhouse que nos adentran también por los terrenos del rock progresivo y la psicodelia de manera muy convincente.

Así pues, pese a poder calificar esta música como rock progresivo, lo cierto es que no estaríamos ante un disco de prog rock al uso sino que más bien hablaríamos de caso similar a grupos como T2, Three Man Army (o incluso los mismos Gun), o incluso unos Bodkin, Tractor o los propios Uriah Heep. Y es que esa pausa, esa meticulosidad, esos cambios de ritmo del prog estan ahí, así como también lo estan en la excelente instrumentación que desarrollan en sus temas. En este aspecto cabe destacar que los temas no son en absoluto extensos, ya que ninguno pasa de 5 minutos, así que a pesar de esos derroteros progresivos no encontramos nada excesivo y es más, en la mayoría de los casos las canciones de este power-trio se endurecen a base de guitarrazos mostrando una descarada faceta hard rockera que, no obstante, en ningún momento olvida el gusto por la melodía y unas cuidadas armonías vocales.

La voz de Geoff Sharkey, al igual que ocurre con bastantes pasajes del disco, muestra claramente la herencia psicodélica de Ginhouse, que se van moviendo a lo largo de los 10 temas por esta tripleta de estilos de la que estamos hablando de una forma no solo natural, sino mostrando gran dominio de la situación y una maestría total en las composiciones y en su ejecución.

No sé si el disco ha envejecido bien o mal, como he leido por ahí en algún sitio, pero lo cierto es que es un pepinazo del mejor hard rock progresivo que nos podemos encontrar en los 70. No dejaron nada más el trío de Newcastle pero al menos lo que dejaron fue muy top.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "Sun in a Bottle"

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viernes, 3 de febrero de 2017

TUCKY BUZZARD - Warm Slash (1971, UK)


Tucky Buzzard se formó en 1969 tras la desaparición del grupo de pop psicodélico The End, cuando tres de sus integrantes junto a un nuevo guitarra y un vocalista se unieron para dar lugar a esta nueva banda que dejaría la respetable cifra de cinco discos entre los años 1969 y 1973, siendo este Warm Slash su tercer y, parece que de forma unánime, su mejor trabajo.

Aunque por la portada pueda parecer otra cosa, pues se asemeja a la de un disco de heavy metal de diez años después, la música de su interior no deja de ser hard rock y bastante fino además, en el sentido en que sabe conjugar diversos elementos con bastante acierto y creando una obra bastante distinguible y con grandes aciertos.

Bajo el manto de la voz de Paul Kendrick, Tucky Buzzard componen temas de hard rock clásicos que recuerdan en muchas ocasiones a Led Zeppelin, como ocurre ya desde el principio con "Mistreating Woman" por ejemplo, pero el grupo pisa otros terrenos como el heavy psych en "Heartbreaker" o el progresivo en "Sky Balloon", respetando en todo momento la base blues como atestiguan cortes como "Burnin'" o la instrumental "Need Your Love".

Un teclado que aparece en ciertas ocasiones le da un aire diferente a la cosa. Es muy palpable en la citada "Sky Balloon" aunque también hace aparición en el tema más largo del disco: "Which Way, When For Why", quizá el momento más brillante de Warm Slash, una composición que tiene un poco de todo en sus ocho minutos de duración y donde el cantante hace unas muestras chillonas que hacen pensar en un estilo de vocalista más propio de grupos que vendrían décadas después. A mí personalmente me encanta como canta, me parece un puntazo.

Un disco que puede que no contenga ninguna canción de diez pero sí con un puñado de otras notables que gustarán a todo fan del hard rock de principios de los 70.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Which Way, When For Why"

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sábado, 7 de enero de 2017

FREE - Tons of Sobs (UK, 1969)






Empezamos nuevo año traicionando un poco (solo un poco) la política de elección de discos de Stoned Guitar de rescatar joyas olvidadas, discos malditos y grupos del underground musical, y nos acercarnos esta vez a un grupo de sobra conocido como es Free.

Y digo traicionando solo un poco porque para un amplio sector, Free se reducen a Fire And Water y "All Right Now". Un gran disco y una canción legendaria pero que por sí solos son un pobre resumen de una banda grandiosa y con una excelente trayectoria, y que nos dejó discos como este Tons of Sobs, el mejor en mi opinión del cuarteto inglés, y que a menudo pasa desapercibido cuando se habla del grupo, siendo una auténtica maravilla como es.

Visto con la perspectiva del tiempo, este grupo y en especial este disco despiertan fascinación en mí. Es increible como cuatro chavales que no llegaban ni a los 20 fueron capaces de grabar un trabajo tan maduro y bien ejecutado como este. Tons of Sobs es una oda al blues rock. Un disco seminal dentro del estilo. No olvidemos que el álbum sale el mismo año que discos como el I de Led Zeppelin y aunque tendrían que esperar un año para el éxito con Fire and Water, este disco aglutina todo el potencial de una banda que debutaba de forma magistral.

Es por eso que rescato este disco de Free. Nunca serán reconocidos lo suficiente por Tons of Sobs. Pero ahí están "Worry", "The Hunter", "Walk In My Shadow", "Goin' Down Slow" o "Moonshine" para atestiguar la inigualable voz de Paul Rodgers, la maestría de Paul Kossoff, la habilidad y precocidad de Andy Fraser, sin olvidar el buen hacer de Simon Kirke a la batería. Una formación de ensueño, quizá, y solo quizá, en su momento más dulce.

Pensar que cuatro post-adolescentes de la actualidad fueran capaces de hacer un disco como este es pura ciencia-ficción. Por eso es tan grande este álbum. Un disco esencial dentro del blues rock. Un disco para disfrutar y deleitarse con una de las mejores bandas del rock siempre.


VALORACIÓN:  9'5-10

TEMA CLAVE: "The Hunter"

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sábado, 26 de noviembre de 2016

THEE HYPNOTICS - Come Down Heavy (UK, 1990)

Relegados a estas alturas al manido status de banda de culto, The Hypnotics tuvieron en su momento sus pequeños momentos de gloria compartiendo escena con bandas de la incipienta movida grunge y alternativa que empezaba a florecer a principios de los 90 en Estados Unidos, aunque en ningún caso llegaran a estar considerados como un grupo de primera fila en aquellos momentos, a pesar de elogios provenientes de otros ilustres como Sonic Youth, Black Crowes o Pearl Jam.

Después de hacerse un hueco en la escena alternativa londinense lograron captar la atención del sello SUB POP bajo el que editaron su disco Live'r Than God donde se recogían a partes iguales temas en estudio y en directo y donde Thee Hypnotics ya mostraban sus influencias basadas básicamente en el sonido Detroit con The Stooges y MC5 como principales referencias.

Un año más tarde y esta vez a través del sello Beggar's Banquet, el grupo continuó con este Come Down Heavy reviviendo ese high energy de su primer disco pero al mismo tiempo se adentró en los terrenos del hard rock y el heavy psych, siempre desde una perspectiva sucia y macarra que iba a marcar toda su trayectoria y que en mi opinión alcanza en este disco su cénit, a través de estos diez trallazos de rock and roll que nos retrotraen veinte años atrás, justo en pleno nacimiento del grunge.

Son, por tanto, Thee Hypnotics otros de esos outsiders que, ajenos a modas y aunque ubicados casi por necesidad en la escena grunge, se limitaron a dejarse llevar por sus influencias que iban desde los citados grupos de Detroit hasta Blue Cheer, Led Zeppelin, Captain Beefheart, New York Dolls o Muddy Waters, por citar algunos.

Quizá sea su siguiente trabajo, Soul Glitter & Sin (1991) su disco más reconocido a día de hoy, no lo sé. En él buscan más la experimentación y determinadas atmosferas, siempre sin olvidar su lado más cañero, aunque a mí no me llega tanto como este Come Down Heavy, una auténtica apisonadora de guitarras y decibelios sin descanso desde "Half Man Half Boy", pasando por "All Messed Up" o "(Let It) Come Down Heavy" como ejemplos. Aunque el ritmo no decae y es solo en el último tema, "Revolution Stone", cuando vemos a unos Hypnotics no tan directos y que cierran el disco en formato jam de 9 minutos, y buscando ya nuevos registros que ampliarían en su siguiente álbum.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "(Let It) Come Down Heavy"

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sábado, 15 de octubre de 2016

BODKIN - St (UK, 1972)


Gracias a los compañeros de Mentes de Ácido y a propósito de su reciente reseña, rescato del más puro ostracismo a este quinteto escocés, otro de esos grupos que ocupaban los últimos puestos en mis tareas de revisión pendientes y que por fin he decidido poner solución. Y vaya si me ha gustado lo he que ha pasado por mis oidos.

Me ha sorprendido mucho el disco de Bodkin, puesto que lo tenía como algo de menos calidad que lo que finalmente me he encontrado. No lo recordaba así en absoluto. Bueno, para ser sinceros no lo recordaba nada, ya que creo que solo lo escucheé una vez de pasada y hará mil años de eso.

Craso error por tanto no apreciar las bondades de este artefacto. Y es que, hablando de todo un poco ¿no es adorable esa portada que presenta este artefacto?. Maravillosa, sin dudas. Empezamos bien, por tanto, con esa cubierta de serie B. Aunque la música por suerte juega en otra liga puesto que, sin despegarse del underground, Bodkin ejecutan un hard rock progresivo de los que quitan el hipo, con potentes guitarras y teclados omnipresentes, como no podía ser de otro modo.

Me gustan especialmente los tres primeros cortes (los más extensos), las dos partes de "Three Days After Death" y "Aunt Mary's Trashcan" donde instrumentalmente se gustan más y donde podemos disfrutar de esos pasajes heavy progresivos dominados por el hammond principalmente. Un sonido en general que recuerda en cierta forma a grupos como Deep Purple, Uriah Heep o Atomic Rooster, aunque también metería yo en el pack a los también escoceses Writing on the Wall o incluso a Salem Mass, otros obsesos del organo y con los que comparten también un rollito oscuro en su sonido, aunque ni de lejos tan marcado en el caso de Bodkin.

Un gran disco por tanto, del que me gustan hasta los andares, como se suele decir, puesto que hasta los dos temas restantes de "solo" cinco minutos suenan de puta madre. Un disco que transpira aroma a su época desde el underground más absoluto y enternecedor.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "Three Days After Death Pt 1"

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martes, 11 de octubre de 2016

CLARK HUTCHINSON - Retribution (UK, 1970)


No hay una corriente de opinión muy unánime en torno a Clark Hutchinson y su Retribution. Elogios y reproches se reparten en torno a un disco que es de esos que no dejan indiferente a quien lo escucha. Y no deja indiferente porque su música en cierta forma descoloca y depende en gran medida de la predisposición y expectativas del oyente. Como todas las demás, supongo. Pero en este caso más, si cabe.

La experimentación siempre ha estado ligada a este cuarteto londinense. A pesar de empezar grabando un álbum de blues (aunque editado en los 90) en grupo pronto empezó a acercarse al progresivo, la psicodelia o el jazz en su disco A=MH2, un disco prácticamente instrumental con cinco extensos cortes, donde ya muestran su interés por esa fusión de estilos y por esa voluntad de dejarse llevar, más que por composiciones ordenadas o convencionales.

En Retribution continua el formato de temas largos, y de nuevo le dan formato al LP con cinco temas donde tocan varios palos. La cosa empieza fuerte con "Free To Be Stoned", un canto juvenil a las drogas a base de heavy blues y cantado de forma desatada por Andy Clark. Yo creo que ya por temas como este hay que querer a Clark Hutchinson. No hay más.

Cambio de registro con la jazzística "After Hours", un tema instrumental de 10 minutos bien hecho pero que personalmente no me llama mucho la atención. Me gusta más "In Another Day" donde prueban con una balada acid rock, en el tema más corto del disco, para volver a los más de 10 minutos de "Best Suit". De nuevo, y como ocurría en "After Hours", le pesa un poco la duración porque el tema en sí es bueno, pero seguramente menos minutaje hubiera sido mejor. En cualquier caso, gran trabajo de Mick Hutchinson a la guitarra.

Y para finalizar, "Death, The Lover", donde tras un riff inicial a la Sabbath, vuelve la voz demente de Andy Clark en una canción que vuelve a ubicar a Clark Hutchinson en el mejor freak rock, recordando a otros ilustres como la Edgar Broughton Band. Es el registro en el que mejor encajan, en mi opinión y donde más me gustan. Por eso para mí son el primer y el último los mejores temas de Retribution.

En disco muy peculiar por tanto, pues combina grandes momentos con otros prescindibles pero que resulta muy interesante para los que que gusten de zambullirse en las rarezas setenteras como esta.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Free To Be Stoned"

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lunes, 3 de octubre de 2016

SAM APPLE PIE - St (UK, 1969)

Vamos hoy con un poco de blues de la mano de los británicos Sam Apple Pie, otros desconocidos para el gran público, pues apenas cosecharon éxito con sus dos únicos discos, siendo su actuación en el festival de Glastonbury la fita más recordada de su corta trayectoria. Así son las cosas.

No he escuchado el segundo disco del grupo (East 17, 1973) pero este debut de Sam Apple Pie es más que interesante. Con todos los ingredientes que tiene que tener una banda de blues rock, que básicamente son buenas guitarras y mucho feeling, además de buenas canciones, la banda inglesa firma un trabajo notable y es de extrañar que haya pasado tan desapercibido. Ok, no inventan nada, pero en lo suyo me parecen muy buenos.

La inclusión de dos guitarras le dan un aire muy rockero al disco como atestiguan por ejemplo los temas que abren y cierran el disco, "Hawk" y "Moonlight Man" aunque en mi opinón el mejor tema no es el más hard rockero sino el más atrevido y psicodélico que es "Winter of My Love", un tema que se sale bastante de la tónica habitual en estos grupos con unos sonidos más que sugerentes. Hay otros temas de puro blues como "Sometime Girl", otros enérgicos o de boggie rock como "Tiger Man" o "Something Nation" e incluso una balada un poco descafeinada como es "Anabelle", con lo cual la cosa es bastante variada dentro de las limitaciones que marca el estilo.

Un disco de género, podríamos decir. Con sonidos clásicos pero muy bien ejecutados y con algunos temas como los citados "Winter of Love" o "Moonlight Man" especialmente acertados.

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Winter of My Love"

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martes, 20 de septiembre de 2016

T2 - It'll All Work in Boomland (UK, 1970)


A parte de discusiones sobre si el disco es mejor o peor, sobre si esta infravalorado o sobrevalorado, o cualquier otro aspecto más o menos subjetivo en torno al debut del trío londinense T2, lo cierto es que estamos ante una obra quintaesencial del hard rock progresivo, heavy prog o como queramos llamarlo.

Aunque quizá más cercano al progresivo que al hard rock, It'll All Work in Boomland fusiona la vertiente más controlada del prog con la fiereza heavy psych de una forma pocas veces vista y de forma muy exitosa. A pesar de su indudable calidad, el disco no tuvo repercusión alguna y la banda se separó poco después mientras preparaba material para un segundo albúm que no apareció hasta los 90, cuando la banda se reunió y parece ser que acabó de completar esos temas de 1972 con otros nuevos. Y digo parece ser, porque no he escuchado esos discos de los 90, ya que no tengo demasiadas buenas referencias, a excepción de un álbum de archivo titulado T.2., que sí que parece contener muestras similares a la del disco que hoy nos ocupa y que es lo último editado del grupo, que yo sepa.

Abriendo con "In Circles" el disco empieza a lo grande y nos deja una aproximación memorable al mejor hard progresivo, para pasar al tema más calmado, "J.L.T.", un corte pinkfloydesco con inclusión de vientos. "No More White Horse" vuelve a poner todas las cartas sobre la mesa. Aquí T2 combinan suavidad y pegada, siendo de nuevo remarcable el trabajo de Keith Cross a la guitarra con ese final de riffs cortantes y solos afilados. Por último, "Morning", tema de 21 minutos que condensa en sus diferentes partes esa dualidad prog/heavy antes comentada y que muestra a los tres integrantes en perfecta conjunción, como en todo el disco, pero aquí de forma más evidente, si cabe.

Un disco imprescindible para todo fan del hard 70's.

VALORACIÓN:  9

TEMA CLAVE: "Morning"

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miércoles, 24 de agosto de 2016

JULY - St (UK, 1968)

Turno para uno de mis discos preferidos de siempre. Un disco que puede que tenga sobreestimado pero que no deja de ser uno de los mejores discos de la psicodelia británica y del mundo mundial.

El disco tiene un aire místico e hiperlisérgico que encandila como pocos. Pese a ser en su mayor parte psicodelia pop, el uso del fuzz le da un toque diferente y, en cierto modo, agresivo al álbum y lo hace bastante innovador comparado con lo que se venía haciendo hasta el momento en las islas.

No es que haya demasiada información de la banda porque, ciertamente, ni editaron mucho más aparte de este disco, ni tuvieron un mínimo éxito como para ganarse un nombre en esto de la  música. Además, su corta historia fue la del típico grupo que cambia de nombre y de formación varias veces hasta que lanza este disco en 1968 para desaparecer hasta prácticamente la era internet, donde es ya un disco de culto entre los amantes de la psicodelia.

Y es que July nos recuerda a bandas emblématicas del rollo psych inglés. Compositivamente hablando, es díficil no nombrar a Syd Barred o incluso a los Pink Floyd de la propia era Barret. También me suenan a los Beatles de la era Revolver, a los Tomorrow de Steve Howe o a los Pretty Things del S. F. Sorrow, en lo que July vendría siendo una versión menos pulida pero más ácida de lo que hicieron los londinenses en ese fántastico álbum.

Lo mejor del disco, temas como "The Way", "You Missed It All", o la anthemica "Dandelion Seeds", que destacan por encima del resto. También sobresaliente me parece la portada, bizarra e hipnótica, perfectamente acorde con los sonidos de esta infravalorada y atemporal obra de la psicodelia que es July.

Imperdible.

VALORACIÓN:  9/9'5

TEMA CLAVE: "Dandelion Seeds"

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viernes, 5 de agosto de 2016

ANDROMEDA - St (UK, 1969)





El otro día quitaba el polvo al vinilo de Andromeda sacándolo del oscuro ostracismo al que lo tenía condenado ahí en los confines de la estantería. Y es que la verdad es que es un disco que no tengo tan escuchado como debería, pues se trata de uno de los mejores en su estilo.

Decían, o dicen, ya no sé yo, que eran la respuesta inglesa a Blue Cheer, y aunque tampoco voy a ser yo quien dé o quite razón lo cierto es que las diferencias entre una y otra banda existen y están ahí. Otra cosa es que el paralelismo, en esa dicotomía entre USA-UK no esté bien tirado, que lo está, creo yo, pues ambas propuestas nos muestran ejemplos de psicodelia tremendamente agresiva con muy poca diferencia temporal entre ellas.

En cualquier caso el de Andromeda es un disco más elaborado, podríamos decir, que el de Blue Cheer (si es que nos referimos a Vincebus Eruptum). Aquí no solo hay blues pesado y psicodelia descarnada sino que el disco toca también claramente el terreno del rock progresivo y ya nos da pistas en su conjunto de lo que iba a venir cuando su guitarrista, John Du Cann, se embarque en uno de los projectos más emblemáticos del hard rock de los 70 como es Atomic Rooster. Pero eso ya es otra historia.

La historia de Andromeda es más modesta, pues solo editaron este álbum además de algún que otro directo o recopilatorio, aunque no es ningún problema ya que aquí en este blog somos muy fans de los grupos con un solo disco como se puede ver por los ya comentados.

Y en fin, si antes hablaba  de John Du Cann como la cabeza visible del grupo y principal protagonista en este disco (pues los guitarrazos son de antología) también sería justo destacar la labor de Mick Hawksworth al bajo y de Jack McCulloch a la batería. Un ejemplo de power-trío clásico y directo a la yugular.

No tiene pérdida la cosa. Otro clásico más de las catacumbas del hard rock setentero que no está demás reivindicar y por supuesto disfrutar.

VALORACIÓN:  9

TEMA CLAVE: "Return To Sanity"

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viernes, 27 de mayo de 2016

ART - Supernatural Fairy Tales (UK, 1967)


Otro de los discos que me llegó en mis inicios en esto de la psicodelia es este, bastante oscuro por cierto, de la banda inglesa Art y que tiene cosas bastante interesantes teniendo en cuenta que estamos hablando de un año, 1967, en el que prácticamente se acababa de dar el pistoletazo de salida al rollo psicodélico, con tan solo algunos discos (esenciales, eso sí) anteriores como referencia.

El disco, como decía, es muy interesante porque se desmarca bastante de la psicodelia pop y tiene un enfoque considerablemente agresivo, podríamos decir, en el sentido en el que se acerca a géneros como el garage rock o el hard rock en muchos de sus temas, aunque en general el álbum tiene una variedad de temas muy considerable y encontramos cortes para todos los gustos y por supuesto también los hay calmados y típicos como pueden ser "Flying Anchors" o "Love is Real".

Aún así, para mí el aire predominante del disco lo dan temas como la inical "I Think I'm Going Weird", "Supernatural Fairy Tale" o "Come On Up", cortes enérgicos que como comentaba anteriorrmente combinan estilos diversos que van del rock 'n roll más clásico hasta el garage, pasando de puntillas por el todavía embrionario rock progresivo.

Un disco para, sobre todo, disfrutar tranquilamente de aroma final de los 60 con sonidos que, aunque esperados, siempre es un gusto encontrarse y reencontrarse. Un trabajo que no es ni mucho menos de los más importantes en el estilo pero que en su contexto y momento es más que notable.


VALORACIÓN:  8/8'5

TEMA CLAVE: "I Think I'm Going Weird"

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lunes, 25 de abril de 2016

JERICHO - St (UK, 1972)


Antes conocidos como Jericho Jones y con un más que decente disco bajo el brazo, el grupo ahora ya sólamente llamado Jericho da un paso adelante en el sentido en que logran en este su único álbum un trabajo de más calidad que su anterior Junkies, Monkeys & Donkeys (1972), aunque ahora ya es para no dejar rastro de su actividad como formación nunca más.

El disco es sin duda muy potente y podría estar perfectamente entre los mejores discos de hard rock de 1972. Su inicio con "Ethiopia" no podía ser mejor, un tema proto-heavy con unas guitarras tremendas. "Don't You Let Me down" se deja escuchar aunque a comparación con otros es un corte de menor entidad. Con "Featherbeard" Jericho vuelven a volar alto con un tema de tintes psicodélicos y con una parte instrumental bastante extensa que incluye un gran solo de guitarra. Le sigue la progresiva "Justin and Nova" y cierra brillantemente el álbum "Kill Me With Your Love" en un nuevo número del mejor heavy psych.

En conjunto, uno de los discos de hard rock más duros del momento, con algunos momentos realmente brillantes y sobretodo cañero de principio a fin, con algún que otro pequeño respiro. Muy recomendable.

VALORACIÓN:  8/8'5

TEMA CLAVE: "Ethiopia"

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lunes, 7 de marzo de 2016

ANCIENT GREASE - Women and Children First (UK, 1970)

De nuevo otra banda que, lejos de inventar la rueda, nos trae un disco con ese sonido de la vieja escuela que tanto gusta por estos lares, donde se venera el hard blues rock sudoroso como el que practican aquí Ancient Grease.

Una banda que, provenientes de Gales, por donde se estuvieron moviendo haciendo actuaciones antes de sacar el que sería su único disco, firmó con este Women and Children First (1970) un trabajo que sin ser excelente (aunque tampoco creo que tuvieran esas pretensiones) sí que es una buena muestra de esa confluencia de estilos que tanto se daba en la época y que aunaba maravillosamente el blues rock, el hard rock y la psicodelia y que daba lugar a cosas como ésta.

Temas en la linia de la inicial "Freedon Train" o  de "Eagle Song" nos permitan apreciar esos sonidos heavy blues con sus pinceladas psicodélicas. También me parecen excelentes "Mother Grease the Cat" o la balada "Odd Song", un tema con una melodía muy conseguida y que es de mis favoritas a pesar de no ser de un corte tan cañero. "Time to Die" es otro medio tiempo más que notable que da paso de nuevo a canciones más energéticas para cerrar este disco que en mi opinión transmite autenticidad y honestidad por los cuatro costados y que para mí es lo más destacado de esta banda.

Hacía bastantes años que no escuchaba este disco detenidamente y la verdad es que, no es que me siga pareciendo bueno, es que me parece mejor de la idea que tenía de él. Un disco un poco subestimado quizá por su sonido sucio o su propuesta básica pero que a mí, que soy un cafre, me encanta.

Bien por Ancient Grease.


VALORACIÓN:  8'5/9

TEMA CLAVE: "Women and Children First"

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sábado, 13 de febrero de 2016

DARK - Round The Edges (UK, 1972)



Hoy traigo al blog uno de esos discos, para mí, más paradigmáticos dentro de lo que podemos considerar heavy psych. Un disco que además se ha hecho mítico por ser considerado una auténtica joya de coleccionista, por la que se pagan auténticas burradas, pues es rarísimo una copia de su primera edición.

Es posible que la leyenda haya superado a lo que simplemente es el disco Round The Edges, agrandando su figura, pero al fin y al cabo, todo cuenta, y la literatura sobre el propio disco también forma parte de su grandeza, de alguna manera.

En cualquier caso no habría que limitarse a hablar del Round The Edges por ser una cotizadísima pieza de museo o por su legión incondicional de fans que la consideran una obra de culto (que lo es), sino habría que destacar su importancia y posición dentro de un estilo en el que es, innegablemente, una pieza única, un disco quintaesencial de un estilo, el heavy psych progresivo, que posiblemente aquí alcance su cénit, en un año que no parece el adecuado, pues en 1972 la psicodelia ya se desvanecía dejando paso a otros sonidos.

En lo estrictamente musical Dark consiguen en este álbum una de las aproximaciones más interesantes y genuinas al estilo. Llama la atención el sonido profundamente psicodélico en este año, Dark lo logran a base de armonías vocales a cargo de Giles y las guitarras fuzz del propio Steve Giles y el ex-Wicked Lady Martin Weaver, aunque parece ser que éste era solo un recién llegado al grupo y el peso guitarrero lo llevaba principalmente Giles. A base de cambios de ritmo, riffs pesados, solos y geniales desarrollos instrumentales, Dark van cosiendo esta pieza que parte de la psicodelia más dura para adentrarse con naturalidad en lo progresivo en una mezcla que sabe especialmente bien.

El sonido de Dark aunque no es nuevo, tampoco encuentra comparación posible. Hay algo en la musica del Round The Edges que lo hace diferente a discos, digamos, similares. No sé si es porque no hay casi rastro de blues (poco habitual en un disco psicodelico) o quizá por el tan equilibrado balance de hard-psicodelia y rock progresivo. Quizá habría que añadir todo lo dicho al principio que hace que sea éste un disco tan peculiar. Incluso la portada es extraña y resulta misteriosa.

Un disco genial, el único (o casi) de Dark. Una obra maestra en su género casi sin darse cuenta, cuya leyenda ha ido creciendo en los años quedando como un auténtico disco de culto.


VALORACIÓN:  9'5

TEMA CLAVE: "Darkside"

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domingo, 24 de enero de 2016

UNCLE ACID & THE DEADBEATS - Blood Lust (UK, 2011)

Tenía dudas de que disco elegir de Uncle Acid, si su demoledor e infravalorado álbum debut o si su obra magna, este Blood Lust. Al final me he decidido por el segundo, por ser su obra más exitosa y la más representativa de su sonido, además de ser su disco más redondo (aunque en muchos sentidos el Vol I me gusta más, lastima de producción).

Así pues, este Blood Lust es un paso adelante no solo en su música, ya que es un álbum donde definen su particular sonido para postreros discos, sino también de la producción la cual como decía antes, mejora mucho respecto al primero y define la linea del grupo. A cambio pierde un poco esa esencia heavy psych para sonar un poco más metálicos, aunque sin pasarse.

Lo que caracteriza a Uncle Acid es ese sonido oscuro que bebe mucho de Black Sabbath por supuesto, pero que no se queda en la mera copia ni mucho menos ya que la música de estos ingleses tiene entidad propia y saben desarrollar su propio universo sonoro que parece que esté sacado de alguna película gore de serie B, como las que suelen salir en los montajes que vemos en algunos de sus videoclips. Un sonido pesado, a veces monótono y repetitivo pero de una fuerza atronadora. Además, la cosa está bien aderezada de potentes riffs de herencia setentera con sus correspondientes solos que harán retumbar tus tímpanos como pocos.

Un disco que por una parte se puede hacer pesado, pero por otra me parece fascinante como una revisión más dentro de los sonidos retro, una actualización exitosa del hard rock más oscuro que coquetea con el doom en lo estético y en lo musical.

Como decía antes, su primer disco, el Vol I, es tan bueno como este. De hecho como música me gusta más pues es un artefacto de heavy psych underground de primer orden, aunque es verdad que está más descuidado. Pero es imperdible también.

Un pequeño clásico de este siglo, al menos en el estilo, este Blood Lust, y por supuesto más que recomendable.

VALORACIÓN:  8'5/9

TEMA CLAVE: "I'll Cut You Down"

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