Hablar de Witchcraft es hacerlo de una de las bandas más importantes dentro del movimiento revival no solo en Suecia sino a nivel mundial. El grupo, comandado por el guitarrista Magnus Pelander, dio sus primeros pasos como proyecto de versiones de Pentagram y Roky Erikson hasta que en 2004 editó su primer disco con Rise Avobe Records. No obstante habría que remontarse a finales de los 90 para ver el inicio de todo esto con la banda Norrsken, un proyecto que no llegó a grabar ningún disco pero si que dejó eps y grabaciones que podrían ser el germen de todo este vintage sueco, como el titulado Hokus Pokus (1996), una auténtica joyita de cuatro canciones de atronador heavy psych.
Witchcraft pueden presumir de poseer una discografia excelente con sus cinco discos, aunque personalmente me quedaría con los tres primeros, los discos que más genuinamente muestran el sonido que ha hecho grande a los de Orëbro. Y no es que sean malos discos Legend (2012) o Nucleus (2016) pero son diferentes, cada uno a su manera.
La reseña por tanto, aunque es de este primer disco, sería ampliable a sus dos siguentes trabajos, quizá más redondos y más pulidos en cuanto a sonido y composiciones, aunque todos tres de un nivel similar. Lo más remarcable en Witchcraft es esa fusión de sonidos doom y hard rock setentero en la que son pioneros y que tantas bandas han tratado de imitar después. Riffs pesados que nos hacen acordarnos irremediablemente de Black Sabbath y que son la base principal del sonido de unos Witchcraft que también toman de las bandas clásicas del doom, y que logran a pesar de las marcadas influencias crear un sonido propio y capturar esa atmosfera setentera haciéndola suya.
PD: DEP Chris Cornell.
VALORACIÓN:8
TEMA CLAVE: "Witchcraft"
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Ty Segall se ha convertido en una de las principales figuras del rock de los últimos años. Con sus virtudes y sus defectos, el californiano se ha convertido en una referencia en la escena actual en parte gracias a su profusa creatividad, que le ha permitido grabar infinidad de discos con diferentes proyectos y colaboraciones en apenas 10 años.
Pero no solo es una cuestión de cantidad. En mi opinión, la principal virtud de Ty Segall consiste en haber puesto de acuerdo, no solo a crítica especializada y público, sino también a diferentes tipos de oyentes con gustos muy diferentes, gracias sobre todo a un sonido moderno pero que a la vez se nutre de referencias 60's y 70's.
Así pues, y aunque su proyecto principal es como Ty Segall o Ty Segall Band, por las características de este blog me parece lo más adecuado escoger a Fuzz para presentar a Segall en sociedad. Y es que mientras como Ty Segall se prodiga en una vertiente más garagera y noise rock, en Fuzz da rienda suelta a su lado más heavy psych, siempre desde su particular perspectiva.
Es cierto que en su primer álbum (Fuzz, 2013) quiza se adapte más a esa etiqueta de heavy psych y stoner rock de potentes riffs y que en este segundo se haya aproximado más a la psicodelia y el garage pero ambos discos resultan igualmente interesantes para ver esa faceta que Ty Segall quizá no puede explotar en solitario y que sí lo puede hacer en Fuzz, de amor por los riffs pesados a lo Sabbath y la psicodelia más dura a lo Blue Cheer.
Es cierto que en este segundo disco, y esto no ocurría en el primero, Fuzz se exceden ofreciendo 14 temas (además el último de 14 minutos) de forma que se cuelan algunos de relleno, pero hay que recordar que estamos hablando de Ty Segall, siendo esta incontinencia compositiva una de las características que lo definen como músico y ante la que nada se puede hacer. No obstante, me gusta más este disco, aparte de por su sonido más psicodélico porque tiene algunos temazos de los que carecía su notable debut. Cortes como "Let It Live", "Pipe", "Silent Sits the Dust Bowl" o el tema que para mí redefine la psicodelia pesada de los 70 a los canones actuales como es "Say Hello", un temazo de bandera. Por no olvidarnos del exceso y la locura del tema final, "II", que es un canto de amor a las jams psicodélicas de la época.
Un disco que, como decía al principio tiene todo lo bueno y también lo malo de Ty Segall, pero que en su conjunto se constituye como una obra de referencia por aunar lo nuevo y lo viejo. Aquí no hay copias ni homenajes a grupos antiguos sino que todo suena a nuevo aunque su sonido sea más que reconocible.
Un trabajo que actualiza el heavy psych a los parámetros actuales como ningún otro disco de revival ha podido hacer, lo cual se ejemplifica en su mejor corte, "Say Hello", bandera de de este monumento psicodélico.
Estamos hoy ante uno de los discos menos accesibles de los que han pasado por Stoned Guitar. Un disco que, no obstante, conecta perfectamente con la carta de estilo de este blog, dedicado a los sonidos psicodélicos, pesados y guitarreros en toda su amplitud. Un disco que me horrorizó a la primera escucha pero por el que ahora siento fascinación.
Provenientes de Washington, Dead Meadow crecieron al amparo de la pequeña escena punk del DC, con bandas como Fugazi, aunque ellos bebían más de otros como Led Zeppelin, Black Sabbath o 13th Floor Elevators. Según su guitarrista y cantante Jason Simon, la forma de llamar la atención en una escena rodeados de punks fue sumergirse en los sonidos de estas bandas y empezar a tocar canciones de diez minutos con solos largos y riffs pesados, aunque hubo que moverse a California, con una escena psicodélica más establecida. Y ahí empieza la historia de Dead Meadow con, hasta el momento, ocho discos a sus espaldas.
El que hoy nos ocupa, el de su debut, es mi preferido por el momento y yo creo que difícilmente otro disco del grupo le va a quitar el puesto a este gran trabajo. Y eso que, como decía antes, en mi primer contacto con el disco no hubo mucho feeling. Se juntaron dos cosas: una, que esperaba algo más clásico tirando a rock/psicodelia 70's; y dos, la voz de mierda del cantante me molestaba sobremanera.Y es curioso porque, aunque me he acostumbrado, me sigue irritando la voz de Jason Simon, que sigue siendo el motivo por el que mucha gente reniega un poco de escuchar a Dead Meadow.
Y si la voz es el punto flojo, lo fuerte viene en la instrumentación, que acapara todo el protagonismo y minimiza lo anterior. Porque Dead Meadow es una avalancha de distorsión, riffs y atmósferas alucinadas, que toma su referencia en la psicodelia de finales de los 60 pero que la filtra bajo los estándares del lo-fi y el stoner más o menos alternativo, creando un vínculo entre lo viejo y lo nuevo realmente genuino y que parece fluir, de la mano de este power-trío, de manera natural y sin forzar de ninguna manera.
En el disco predomina el desenfreno fuzz y los riffs distorsionados como en "Indian Bones", "Lady" o la impresionante "Beyond The Fields We Know" y oxigena un poco el ambiente con los cortes "Dragonfly" y "At The End Of The World" quedando un álbum igualmente denso, espeso y perturbador.
Un viaje que renueva los códigos del rock ácido tomados de Blue Cheer y 13th Floor Elevators y los presenta a un nuevo siglo de forma novedosa y sin impostar. Lastimosamente, nuncá sera reivindicada y reconocida como se merece la propuesta de Dead Meadow, pues no es suficiente cool para modernos ni suficientemente clásica para clásicos. Aunque no sé, quizá me equivoque.
Por último comentar que, después de este disco ya no me sorprendieron tanto Dead Meadow (de lo que llevo escuchado), aún así, siguen teniendo álbumes más que interesantes que vale la pena escuchar.
VALORACIÓN:8'5/9
TEMA CLAVE:"Beyond The Fiels We Know"
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All Them Witches son para mí una de las mejores bandas del panorama actual. Les acreditan sus, hasta el momento, tres discos, todos ellos en mi opinión de notable para arriba, siendo este, el primero, mi preferido de ellos.
Hay una cierta evolución entre este álbum debut, más directo, más espontaneo, y el sonido introspectivo, pausado y perturbador del último disco de All Them Witches (Dying Surfer Meets His Maker, 2015) y yo la verdad es que los encuentro en las dos facetas igual de convincentes.
No obstante, si tengo que elegir me quedo con los sonidos de este Our Mother Electricity. Un disco que para mí pasa de puntillas por el stoner rock convencional para tocar otros estilos que le dan una versatilidad y una frescura tremenda: blues rock, southern, rock psicodélico, junto con el citado stoner, forman una mezcla que suena a las mil maravillas.
No sobra nada en este trabajo. Desde el comienzo con "Heavy Like a Witch" hasta el último tema, la enorme "Right Hand", todo es aprovechable en este debut de los de Nasville. Hits como la bluesera "The Urn", ese medio tiempo de sabor tan americano como es "Elk.Blood. Heart" o el tema de 8 minutos "Until It Unwinds" por citar algunas, aunque como ya digo me gustan todas de principio a fin.
Es curioso por que este disco ha quedado un poco a la sombra del segundo disco de la banda (Lightning At The Door, 2013), un álbum que sería el de la consagración del cuarteto americano y seguramente el más aclamado hasta el momento, a pesar de que a mí me sigue pareciendo mejor el que hoy nos ocupa. Un disco, éste, sin duda infravalorado.
VALORACIÓN:8'5 / 9
TEMA CLAVE:"The Urn"
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Me apetecía reivindicar hoy este disco de un grupo a veces tan criticado como es Wolfmother. Un grupo el australiano, que aunque parecen ya perdidos para la causa, sí que es cierto que facturaron un par de discos (este y el siguiente Cosmic Egg, 2009) ,bastante potables y que están mejor de lo que en principio puede parecer.
Sin ser ninguna maravilla técnicamente, ni un portento de originalidad, lo cierto es que este debut de Wolfmother es ya un clásico de este siglo, lanzado en su momento a la fama en parte por el portentoso hit "Woman", tema que ha trascendido la propia fama del grupo o del disco y que hemos escuchado mil veces acompañando series, películas u otras historias.
Pero no es sólo "Woman" este disco. Además de este tema encontramos otros igual de destacables e igual de potentes, empezando por ese fantastico inicio con "Colossal", pasando por otros tantos como "Mind's Eye", "Pyramid", "Joker And The Thief"o la genial "Dimension", sin duda uno de los temas más conseguidos de todo el álbum.
Centrándonos un poco en el sonido del disco, lo que encontramos aquí es una colección de temas que se mueven siempre entre el stoner y el hard rock. Y bueno, es una coletilla siempre que se habla de este grupo decir que se parecen mucho a Led Zeppelin. Pues bueno: ni sí ni no. Es decir, no más que otros grupos. Sí que recuerdan en algunos aspectos, pero ni por asomo es una copia, pues Wolfmother es algo más primario y mucho más directo. Y desde luego sin esa base blues rock zeppeliana. Hay incluso quien habla también de copia de Jethro Tull, total porque en un tema suena una flauta, como si ese instrumento tuviera el copyright del grupo de Ian Anderson. Aquí la flauta es anecdótica. En poco se parece Wolfmother a Jethro Tull.
Por resumir, lo que aquí suena es una mezcla del hard rock setentero con el stoner que se venía haciendo en el momento y con una pizca de White Stripes (un grupo muy de moda en el momento del disco), como atestiguan temas como "Apple Tree".
Un disco que, con sus limitaciones pero también con muchos aciertos, puso su granito de arena en la explosión del retro-rock en un momento en que todavía no era tan habitual ver bandas que miraran tanto a los 70. Y lo hizo con una propuesta que, aunque no inventaba nada sí que tenía, casi si quererlo, un sello bastante personal que, lamentablemente, se fue deteriorando con los discos siguientes.
VALORACIÓN:8
TEMA CLAVE: "Woman"
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Pues si ayer vino Papá Noel hoy los que vienen a Stoned Guitar son vecinos suyos. Y es que los que seguís este cutre-blog sabéis que últimamente he andado dando la tabarra con este disco, el cual ya incluí en la lista de lo mejor de 2015 y además en lo más alto. Provenientes de Noruega, este quinteto ha sabido alzarse con un álbum que por su sonido bien podría estar parido a la otra parte del charco pero que por contra demuestra que los estilos no conocen fronteras y un buen disco de blues pede estar parido en la fría Escandinavia, por qué no.
El disco es un ejercicio magnífico de blues de principio a fin, un blues pesado, lento y machacón, pero que también sabe acelerar cuando toca y como no, marcarse unos solos de los que sirven para redondear los temazos que se marcan. Un enorme dinosaurio que avanza lantamente pero destrozándolo todo a su paso. Eso me parece a mí el debut de The Devil & The Almighty Blues.
Un trabajo que además conjuga muy bien su vertiente más clasica con lo moderno de una forma muy equilibrada y desde un punto de vista muy personal y sincero. Blues, stoner, rock sureño se dan la mano en una explosiva mezcla que sale a las mil maravillas, con gente que de verdad saben lo que hacen.
Un trabajo además muy compacto de principio a fin y que no flojea en ningún momento, desde el inicio con la genial "The Ghost of charlie Barracuda" hasta el final con seis temas de mucha altura y de similares características pero que no aburren pues es una gozada escuhcar el tono de esas guitarras y como cabalgan los solos sobre el ritmo machacón que van imprimiendo tema tras otro.
Uno de los descucrimientos del año sin duda. Yo no se tú, pero yo voy a seguir muy de cerca a estos vikingos blueseros después de este fenomenal debut.
VALORACIÓN:9
TEMA CLAVE: "The Ghost of Charlie Barracuda"
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Heat recuerdan mucho a sus compatriotas Kadavar y no sólo por su procedencia. La propuesta es muy similar: hard rock, heavy psych, stoner rock...un poco de cada cosa y todo junto, con sus influencias sabbathianas, claro está y un cantante que (lástima) deja un poco que desear.
Al principio me pareció que tiraba más hacia el stoner debido a ese inicio potente de "Daymare", un buen tema aunque los siguientes iban a mejorar si cabe la cosa. A partir de "Warhead" y hasta el final, la herencia setentera se hace más presente y la verdad es que el disco presenta unas partes instrumentales excelentes (en contraste con la floja aunque voluntariosa labor del cantante) y ese hard rock añejo ya no abandona este pelotazo que es Old Sparky.
Por último, no podía faltar, como era tan habitual en los grupos de la época dorada del rock, un tema de 15 minutos que cierra de forma brillante este álbum debut de una banda que presenta unas grandes credenciales, y a la cual voy a seguirle la pista, confiando en que no se me descarrilen y se vayan hacia derroteros más metaleros/convencionales.
He de reconocer que no soy muy aficionado al rock patrio, quizá no me acabe de gustar como suena el idioma de Cervantes en este tipo de música o quizá tenga cierto prejuicio, no se. Y a lo mejor el hecho de que canten en inglés hace que me gusten los navarros Mermaid, pero, eh, también su música tendrá algo que ver, digo yo.
Este Red Led or Death es el tercer y ya último disco de la formación que empezó un poco antes en 1999 con el álbum From Here to Nowhere, seguido del High Dimension is the Direction en 2001 donde practicaban un potente stoner rock y que quizá sea su disco más aclamado.
A mí sin embargo, y sin haber escuchado el primero, el que más me gusta es el Red Led. Menos pesado y denso, Mermaid aparcan en parte su lado más stoner y se acercan al hard rock setentero más enérgico aunque sin olvidar sus principios. Las canciones son más cortas y directas, las voces suenan mucho mejor y no están tapadas por guitarras excesivas que esta vez tienen un sonido mucho más puro y nítido y van mucho más directas al grano.
Hay que destacar el disco en su conjunto, aquí no hay relleno, todo es más que aprovechable. Para mí uno de los mejores discos hechos en este país últimamente.
VALORACIÓN: 8'5
TEMA CLAVE: "Boots Nights"
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Enorme disco debut de los alemanes Kadavar, cuyo nombre viene sonando mucho últimamente y con todo merecimiento pues tomando este punto de partida la cosa está claro que promete.
Personalmente me dan lo que quiero en una banda actual: sonido retro pero sin caer en lo heavilongo ni tampoco en el stoner cliché (para mí demasiado cercano a veces a las bandas heavies). Kadavar coquetean con el stoner clásico pero de refilón, ya que reivindican más claramente la sempiterna herencia Sabbath, la psicodelia y el space rock de Hawkwind, con pesados riffs, solos monstruosos y una guitarra densa llena de fuzz, todo ello con buenos efectos y una voz que encaja a la perfección en el estilo del grupo.
No he escuchado todavía su (hasta día de hoy) otro disco pero por supuesto no tardaré, ya que después de escuchar este se me quedaron ganas de más. Clásico instantaneo.
VALORACIÓN: 9/9'5
TEMA CLAVE: "All Our Thoughts", "Purple Sage"
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