STONE GIANT - ST (USA, 2015)

Stone Giant es una banda prácticamente desconocida por estos lares. Desde que los descubrí no me he topado en ningún sitio de los que suelo visitar con ninguna referencia a ellos o a su disco y ha sido siempre por iniciativa propia cuando he tenido que buscar información del grupo cuando he averiguado cosas de esta curiosa multinacional agrupación afincada en USA.

Formada por un chileno, un portugués, un brasileño y un argentino, fue este último, Sebastian Fernández, quien fundó la banda después de conocer a Joao Nogueira en el Berklee College of Music de Boston, donde estudiaban, tras darse cuenta de que compartían gustos musicales que eran principalmente  bandas de los 70 como Led Zeppelin, Hendrix o Black Sabbath. A partir de ahí empezaron los conciertos y marcharon a Londres donde grabaron su disco homónimo en los estudios Abbey Road.

Por lo que al disco se refiere, lo que encontramos en Stone Giant es una revisión más del hard rock setentero pasado por los filtros actuales. Por un lado tiene esa verdiente de rock clásico asentada en buenos riffs y contundente sección rítmica, además de teclados y por otra tiene esa tendencia stoner y sobretodo un sonido muy limpio y una muy buena producción, demasiada para mi gusto, que en cualquier caso dan como resultado un notable disco de rock pesado.

Le sobra, para mi gusto, un poco de extensión aún sin ser un disco largo, quizá por que me gusta más la primera mitad del disco con temas como "Wizard", "The Cave" o "The Groove" que tienen una onda más clásica que otros que cierran el álbum como "Nazgul" o "Dorth Vader".

Un disco que no es ninguna genialidad pero es de esos que te apetece rescatar y disfrutar de vez en cuando.

AFFINITY - S/T (UK, 1970)

Volvemos a los 70 para hablar un poco de uno de mis discos preferidos de siempre, el único editado por Affinity antes de desaparecer como grupo un año después.

Del grupo suele hablarse siempre de Linda Hoyle, sin duda una de las grandes voces femeninas del momento, aunque lo cierto es que en conjunto Affinity estaba formado por muy buenos músicos en todas sus lineas, desde la sección rítmica con Grant Serpell y Mo Foster, como en la guitarra de Mike Jupp (aunque un poco secundaria en este caso) y sobretodo en el Hammond de Lynton Naiff con algunos momentos muy buenos a lo largo del disco.

El disco que, al menos en su edición original constaba de 7 temas (después ya vinieron las ediciones con extras), combina com mucho acierto rock progresivo, psicodelia, pinzeladas soul y jazz y algo de blues en temas variados y donde la voz de Linda Hoyle la verdad es que le da una plus al asunto. Hubiera sido un buen disco igualmente, pero es un valor añadido que hace que destaque.

Me sobra un poco "I Wonder if I Care As Much" por poner un pero, pero lo demás es excelente, desde mi favorita "Night Flight", pasando por la sugerente "Mr Joy", la agradable "Coconut Grove" o ese gran colofón final que es la versión de 11 minutos de "All Along The Watchtower".

Un disco muy solido y equilibrado y uno de los mejores ejemplos de hard progresivo de los 70 que nos podemos encontrar, y por supuesto un álbum imprescindible si lo que te van son este tipo de sonidos del periodo finales sesenta principios setenta.

BANQUET - Jupiter Rose (USA, 2016)

Toca viajar de nuevo a tierras californianas con Banquet, un cuarteto de San Francisco que editó este disco a principios del año pasado con Heavy Psych Sounds y que la verdad me llamó mucho la atención cuando lo escuché con una propuesta de heavy psych muy macarra y contundente, y que se sustenta con esa dupla de guitarras de Doug Stuckey y Brandon Chester que se imponen en el sonido de este Jupiter Rose.

Como decía, el sonido de este disco es muy sucio y guitarrero, y recuerda por una parte a otras bandas californianas como Sacri Monti, Radio Moscow y demás pero por otra está más cerca del hard rock setentero o de grupos actuales como los primeros Heat o Kadavar.

Del disco se puede criticar que no está muy pulido o que va a piñón fijo pero es lo que hay, y es que aquí no hay trampa ni cartón y Banquet tan solo pretenden darse un festín del heavy psych más pasado de rosca para mí de una forma honesta y sin el postureo que se ve hoy en día en algunas bandas que salen a la moda de lo retro, estos son militantes de pura cepa.

Así pues, un disco muy del género y que de ahí no sale, para lo bueno y para lo malo. A mí me encanta, y sobretodo destacaría temazos como "Burning Bridges" o la mejor que es la que da título al álbum, "Jupiter Rose".

Bandcamp

MARIANI - Perpetuum Mobile (USA, 1970)

Estamos hoy ante uno de esos discos que tarde o temprano tenía que caer por aquí. Mariani, un disco de culto se podría decir, al menos en lo que se refiere al rock setentero. Y es que varios factores contribuyen a este status para este, único trabajo de la formación.

En primer lugar la presencia de un jovencísimo Eric Johnson en la guitarra (17 años) quien deslumbra a la guitarra en un estilo que recuerda en su trabajo a las seis cuerdas a Cream y Hendrix y muestra un desparpajo y una facilidad para hacer solos y demás pirotecnia guitarrera rara vez vista en otros discos.

Los factores que envuelven a la grabación y edición del álbum también han contribuido a su caracter legendario entre los coleccionistas. Y esque Perpetuum Mobile fue lanzado como como demo y en una cantidad irrisoria de 150 copias por el sello Sonobeat, con lo cual conseguir una copia es poco más que imposible. Después vendrían otras rediciones, como la de Akarma. En ellas vienen incluidos pequeños interludios entre los cuatro primeros temas, estos ya con los nombres cambiados y creo que algún tema extra.

Así pues, unas peculiares condiciones de grabación, una escasa distribución y un guitar hero teenager haciendo una master class de heavy psych han hecho de este disco de Mariani un álbum mítico que auna, aún faltándole la solidez de una obra bien acabada, algunas de las características necesarias para consagrarse como un disco de culto del hard rock setentero.

ORANGO - The Mules of Nana (NOR, 2017)

Uno de los mejores discos que llevo escuchados en lo que llevamos de año es este trabajo del trío de Oslo Orango. Un grupo para mí desconocido hasta que descubrí a principios de año este The Mules of Nana, a pesar de que es ya su sexto álbum de estudio en quince años de trayectoria.

Lo que captura de The Mules of Nana es que está hecho con un gusto tremendo, con un balance acertadísimo de energía rockera y ganchos melódicos. Destaca especialmente el uso de armonías vocales, sobretodo en los estribillos, que a mí me recuerdan mucho a Crosby, Stills & Nash y que le dan una sonoridad a Orango muy especial que le hace sobresalir de ese hard rock estándar que muestran por ejemplo en el tema inicial "Heartland".

Y no es que sean un mal grupo cuando rockean, es más, es excelente, pero temas como "Heirs", "Born to Roll" o "Gime Me a Hundred", por poner algunos ejemplos, amplían ese registro y lo expanden a traves de gloriosas melodías y texturas de reminiscencias muy West Coast, haciendo de The Mules of Nana un disco que aunque enmarcado en el blues rock, hard rock, southern rock entre otros, resulte un disco de lo más variado y con muchos detalles que vas descubriendo con las sucesivas escuchas.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: Born to Roll

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SAMUEL PRODY - S/T (UK, 1971)

Excelente disco de hard rock primitivo, con bastante aire underground en cuanto a sonido y por supuesto en cuanto a repercusión, pero sorprendentemente bueno. El sonido de Samuel Prody es duro y bruto, y recuerda a otras bandas como Ancient Grease, Yesterday's Children, Sir Lord Baltimore o Blue Cheer.

Como suele ocurrir con este tipo de discos, lo que más me gusta de Samul Prody es esa confluencia de proto-metal, blues rock y rock psicodélico que caracteriza a estos trabajos y que con tanta naturalidad se entremezcla en sus temas. A esto hay que añadirle un sonido bastante crudo y poco pulido y una ejecución que es bruta pero que técnicamente es más que eficiente, con una buena sección rítmica y una gran guitarra solista. Asímismo, las siete canciones que forman el disco son muy disfrutables y este no tiene altibajos en un artefacto de descarnados sonidos de primitivo hard rock. Solo "Hallucination" se sale de la tónica general buscando un poco más el formato jam tribal en un tema con diferentes partes aunque nunca llega al exceso.

Solo dejaron este álbum este cuarteto de Brighton pero en mi opinión es una pieza de obligada escucha, un disco cuyas bondades musicales no se corresponden con su reconocimiento, puesto es poco conocido en comparación de otros de estilo y calidad similares. 

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Scat Shuffle"

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TAPIMAN - S/T (ESP, 1972)

Estamos ante uno de los mejores (sino el mejor) discos de hard rock/rock progresivo parido en el estado español en la década de los 70. Y no solo eso sino que el disco homónimo de Tapimán me parece mejor que muchos otros americanos o ingleses de su estilo, excepto por el inglés, aunque a mí no me suena tan mal como algunos han dicho en alguna ocasión.

Procedentes de la escena barcelonesa, este power-trio estaba formado por José María Vilaseca ("Tapi") en la batería, Max Sunyer en la guitarra y Pepe Fernández al bajo y las voces y practicaban un hard rock bastante técnico que en aquel momento creo que llamaban rock progresivo aunque era un poco una mezcla de influencias varias ya que a pesar de ser principalmente hard rock los elementos prog y de la psicodelia estan más que presentes.

El grupo, asombrosamente bien ensamblado y sustentado por una sólida sección rítmica vuela hasta las alturas gracías a la maestría a las cuerdas de Max Sunyer, que es a mi parecer, uno de los mejores guitarras solistas en la España de los 70 y muestra su gran pericia convirtiéndose en protagonista principal de este segundo disco de Tapimán.

Un excelente álbum, con temas como "Don't Ask Why", "Gosseberry Park", "No Control" o "Jenny" entre otros, aunque habría que decir que no es un disco de hits sino que funciona bien en su conjunto y que tiene en la habilidad y capacidad técnica de sus músicos su principal valor como plasman en los diez cortes que forman el disco.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "Don't Ask Why"

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WITCHCRAFT - St (SUE, 2004)

Hablar de Witchcraft es hacerlo de una de las bandas más importantes dentro del movimiento revival no solo en Suecia sino a nivel mundial. El grupo, comandado por el guitarrista Magnus Pelander, dio sus primeros pasos como proyecto de versiones de Pentagram y Roky Erikson hasta que en 2004 editó su primer disco con Rise Avobe Records. No obstante habría que remontarse a finales de los 90 para ver el inicio de todo esto con la banda Norrsken, un proyecto que no llegó a grabar ningún disco pero si que dejó eps y grabaciones que podrían ser el germen de todo este vintage sueco, como el titulado Hokus Pokus (1996), una auténtica joyita de cuatro canciones de atronador heavy psych.

Witchcraft pueden presumir de poseer una discografia excelente con sus cinco discos, aunque personalmente me quedaría con los tres primeros, los discos que más genuinamente muestran el sonido que ha hecho grande a los de Orëbro. Y no es que sean malos discos Legend (2012) o Nucleus (2016) pero son diferentes, cada uno a su manera.

La reseña por tanto, aunque es de este primer disco, sería ampliable a sus dos siguentes trabajos, quizá más redondos y más pulidos en cuanto a sonido y composiciones, aunque todos tres de un nivel similar. Lo más remarcable en Witchcraft es esa fusión de sonidos doom y hard rock setentero en la que son pioneros y que tantas bandas han tratado de imitar después. Riffs pesados que nos hacen acordarnos irremediablemente de Black Sabbath y que son la base principal del sonido de unos Witchcraft que también toman de las bandas clásicas del doom, y que logran a pesar de las marcadas influencias crear un sonido propio y capturar esa atmosfera setentera haciéndola suya.





PD: DEP Chris Cornell.




VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Witchcraft"

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DEEP PURPLE - St (UK, 1969)

Tengo que reconocer que los discos de Deep Purple de la primera formación fueron unos desconocidos para mí hasta hace relativamente poco tiempo. Aunque, como la mayoría, Deep Purple fueron de esos grupos con los que me inicié en esto del rock, fue esa exitosa segunda etapa con discos como In Rock, Machine Head o Made in Japan la que acaparó mi atención durante mucho tiempo. Incluso los discos con Coverdale o alguno de los 80 los tengo más machacados que estos de la primera época.

Y si bien es cierto que no podemos decir que esos tres primeros discos de Deep Purple son desconocidos, porque no lo son, porque el grupo es enorme, sí que es cierto que un disco como este homónimo no es demasiado valorado ni comentado cuando se habla de las grandezas de la banda.

Es verdad que el paso de este disco al siguiente con el magistral In Rock es una de las transformaciones más increibles vistas en rock, una evolución que cambió la historia del rock más duro ya para siempre y a cargo de una formación realmente emblématica, pero también es cierto que este disco homónimo recoge los mejores momentos de Deep Purple en esos primeros años y es un disco increiblemente bueno en su estilo.

Es curioso porque cuando lo escuché por primera vez, ya llevaba tiempo peinando y machacando el underground setentero, por lo que el disco me sorprendió mucho pues descubrí que una de las bandas más míticas tenían un disco que reproducía los sonidos de las bandas que andaba buscando y escuchando todo ese tiempo, esto es, el disco donde Deep Purple abrazan la psicodelia, el rock progresivo o el blues, y en mi opinión mejorando respecto a sus anteriores álbumes.

Así pues, encontramos a un grupo más hecho que en el Shades o el Book of Taliesyn, de hecho se dice que titularon este disco como Deep Purple porque creían haber facturado ya el disco que les iba a lanzar al estrellato, aunque lo cierto es que por una cosas u otras su repercusión fue poca. Y fue una pena porque es un gran disco. Un disco donde por una parte ya vemos la maestría de Blackmore, Paice y Lord en los instrumentos, y por otra nos ofrece una suceción de grandes temas de hard rock y prog rock con una marcada ascendencia psicodélica bajo el matiz de la voz de Rod Evans. Temas como "Chasing Shadows", "Blind", "The Painter" que marcan el paso previo al proto-metal que desarrollaran más tarde y que son ya cortes de una gran factura, o por supuesto "April", la canción de 12 minutos que cierra el disco y donde Deep Purple muestran su vertiente más progresiva.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "The Painter"

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GINHOUSE - St (UK, 1971)

Sorprendente disco este de Ginhouse. A decir verdad, conocía el disco desde hace tiempo pero le había dado no más de dos escuchas en su momento y lo había dejado olvidado en el cajón hasta hoy, que me he decidido a rescatarlo.

Por los motivos que sean (ya que prácticamente no recordaba como sonaban estos ingleses) tenía la idea de que su música era más un hard rock más clásico y rudo pero lo cierto es que este álbum tiene aspectos que definitivamente expanden más el campo de acción de unos Ginhouse que nos adentran también por los terrenos del rock progresivo y la psicodelia de manera muy convincente.

Así pues, pese a poder calificar esta música como rock progresivo, lo cierto es que no estaríamos ante un disco de prog rock al uso sino que más bien hablaríamos de caso similar a grupos como T2, Three Man Army (o incluso los mismos Gun), o incluso unos Bodkin, Tractor o los propios Uriah Heep. Y es que esa pausa, esa meticulosidad, esos cambios de ritmo del prog estan ahí, así como también lo estan en la excelente instrumentación que desarrollan en sus temas. En este aspecto cabe destacar que los temas no son en absoluto extensos, ya que ninguno pasa de 5 minutos, así que a pesar de esos derroteros progresivos no encontramos nada excesivo y es más, en la mayoría de los casos las canciones de este power-trio se endurecen a base de guitarrazos mostrando una descarada faceta hard rockera que, no obstante, en ningún momento olvida el gusto por la melodía y unas cuidadas armonías vocales.

La voz de Geoff Sharkey, al igual que ocurre con bastantes pasajes del disco, muestra claramente la herencia psicodélica de Ginhouse, que se van moviendo a lo largo de los 10 temas por esta tripleta de estilos de la que estamos hablando de una forma no solo natural, sino mostrando gran dominio de la situación y una maestría total en las composiciones y en su ejecución.

No sé si el disco ha envejecido bien o mal, como he leido por ahí en algún sitio, pero lo cierto es que es un pepinazo del mejor hard rock progresivo que nos podemos encontrar en los 70. No dejaron nada más el trío de Newcastle pero al menos lo que dejaron fue muy top.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "Sun in a Bottle"

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BULL ANGUS - St (USA, 1971)

Uno de los puntos fuertes de este debut de Bull Angus es el haber sabido elaborar una selección de temas variados y de una calidad bastante uniforme. A pesar de no haber atisvos de originalidad en su música, el disco se sostiene por sí mismo por la calidad de sus canciones que, sin ser nada extraordinario sí que consiguen reunir bastantes aspectos interesantes para que la cosa funcione.

Partiendo de un sonido tremendamente clásico y que, en un primer lugar, nos situa a rebufo de bandas como Deep Purple o Grand Funk Railroad, la inclusión de dobles guitarras a cargo de Larry Lafalce y Dino Paolillo y el gusto por los arreglos se unen a una impecable sección rítmica, a un cantante con un registro más que adecuado para el estilo y para completar el combo añadimos los teclados de Ron Picollo y nos queda una cosa más que interesante.

 Muy complicado resaltar un tema de los ocho que componen el debut de Bull Angus. "Run Don't Stop" es un corte ideal para empezar, clásico, directo y con mucho ritmo. "Mother's Favourite Lover" por alguna razón me recuerda a otras bandas americanas como Josefus o Yesterday's Children aunque desquitados de cualquier carga psicodélica en este caso. Por contra, encontramos otras canciones que no esconden sus influencias prog como "Time Like Ours" o "Miss Casey", con estimable presencia de teclados y donde siguen brillando esas dobles guitarras de Lafalce y Paolillo y donde se muestran cómodos introduciendo algunas líneas de jazz. También hay tiempo para baladas como en la suave "Cy", con bellas guitarras acústicas, flauta y excelentes arreglos vocales.

En resumen , otro disco más en la larga lista de los olvidados del hard rock 70's que merecen la pena. Su siguiente y último disco (Free for All, 1972) ya no fue tan bueno.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Miss Casey"

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ARMAGEDDON - St (USA, 1975)

Tras la desaparición del grupo Steamhammer (también con algunos trabajos más que interesantes), algunos de sus integrantes entre los que se encontraban Martin Pugh y Louis Cennamo formaron en Los Angeles este grupo junto con Keith Relf y el americano Bobby Caldwell, integrantes a su vez de grupos como Yardbirds o Captain Beyond,  dejando únicamente este disco para la posteridad.

A pesar de que el estilo empezaba su declive, el trabajo de Armageddon es un excelente ejemplo de hard rock progresivo de potente base rítmica y cortantes guitarras, con momentos álgidos en los solos de algunos de sus temas. Abre la cosa muy bien con la genial "Buzzard", donde ya vemos como toma protagonismo la guitarra de Martin Pugh, al igual que en el genial solo de "Paths and Planes and Future Gains" o también en el tema que cierra el disco.

"Silver Tightrope" es quizá el tema más flojo del disco, puede que por que se extienda demasiado para lo lento que es, y en "Last Stand Before" y  en "Basking in the White of the Midnight Sun" Armageddon vuelven a rayar a gran altura, sobretodo ofreciéndonos una buena mezcla de pasajes de fervoroso hard rock con otros de gran destreza instrumental en su vertiente más prog rock.


VALORACIÓN:  8-8'5

TEMA CLAVE: "Buzzard"

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WEDGE - St (ALE, 2014)

Uno de los discos de revival setentero más interesantes (y no precisamente uno de los más reconocidos) es el, hasta el momento, único álbum de los berlineses Wedge, una formación que está haciendo esperar demasiado a los que estamos ansiosos de nuevas canciones y que de momento nos tenemos que conformar con saborear las siete refrescantes piezas que conformaban este debut.

Y es que Kiryk Drewinski, guitarrista y vocalista del grupo, cambia bastante de registro después de su paso por una banda que gusta mucho por estos lares como es Liquid Visions, grupo que se movía más por la psicodelia y el progresivo. Aunque también hay que decir que después estuvo en otro proyecto llamado The Magnificent Brotherhood que, aunque no lo he escuchado nunca, sí que parece por las referencias que tengo que son una transición lógica hasta lo que escuchamos en Wedge.

En cualquier caso lo que me interesa ahora es hablar de las bondades de Wedge que, como decía, resulta un prometedor álbum debut. Un debut que es de esos discos que a la larga son más de lo que aparentan, quizas por esa aparente y patente sencillez, y que es en mi opinión una de las principales bazas del trío alemán. Un sonido directo, que mezcla hábilmente garage, psicodelia y hard rock en temas variados y con mucho gancho en 35 minutos que pasan en un suspiro. No hay lugar para improvisaciones o largos desarrollos, Wedge son más de high energy, melodías garageras aderezadas con cierto, aunque nunca demasiado, virtuosismo hard rockero.

No hay un tema malo en este disco, y aunque sean pocos en total, también tiene su mérito. Destacan la inicial "Easy Chair", la hardrockera "The Fight" o esa "Never Learn" con un estribillo que podía haber firmado cualquier banda de garage revival, o sin revival. Y que decir de "Makeyerselfree", quizá el mejor tema del disco, aunque la banda se decidiría al final por lanzar videos de otros temas como "'61 SG" y "Looks'n' Savvy", que no dejan de ser otros grandes y festivos aportes.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "Makeyerselfree"

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TUCKY BUZZARD - Warm Slash (1971, UK)

Tucky Buzzard se formó en 1969 tras la desaparición del grupo de pop psicodélico The End, cuando tres de sus integrantes junto a un nuevo guitarra y un vocalista se unieron para dar lugar a esta nueva banda que dejaría la respetable cifra de cinco discos entre los años 1969 y 1973, siendo este Warm Slash su tercer y, parece que de forma unánime, su mejor trabajo.

Aunque por la portada pueda parecer otra cosa, pues se asemeja a la de un disco de heavy metal de diez años después, la música de su interior no deja de ser hard rock y bastante fino además, en el sentido en que sabe conjugar diversos elementos con bastante acierto y creando una obra bastante distinguible y con grandes aciertos.

Bajo el manto de la voz de Paul Kendrick, Tucky Buzzard componen temas de hard rock clásicos que recuerdan en muchas ocasiones a Led Zeppelin, como ocurre ya desde el principio con "Mistreating Woman" por ejemplo, pero el grupo pisa otros terrenos como el heavy psych en "Heartbreaker" o el progresivo en "Sky Balloon", respetando en todo momento la base blues como atestiguan cortes como "Burnin'" o la instrumental "Need Your Love".

Un teclado que aparece en ciertas ocasiones le da un aire diferente a la cosa. Es muy palpable en la citada "Sky Balloon" aunque también hace aparición en el tema más largo del disco: "Which Way, When For Why", quizá el momento más brillante de Warm Slash, una composición que tiene un poco de todo en sus ocho minutos de duración y donde el cantante hace unas muestras chillonas que hacen pensar en un estilo de vocalista más propio de grupos que vendrían décadas después. A mí personalmente me encanta como canta, me parece un puntazo.

Un disco que puede que no contenga ninguna canción de diez pero sí con un puñado de otras notables que gustarán a todo fan del hard rock de principios de los 70.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Which Way, When For Why"

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THE DUES - Thief of time (SUI, 2016)

El trío suizo The Dues ya hizo su aparición en este blog cuando se coló hace no mucho en la lista de lo mejor del pasado año, siendo una de la las apariciones más interesantes del curso anterior.

Como comenté brevemente en su momento, The Dues son un trío a la antigua usanza. Obviamente el estilo recuerda a las bandas de finales de los 60 y principios de los 70 pero lo de The Dues va más allá, pues sus composiciones, su forma de ejecutarlas y su sonido parecen asombrosamente provenientes de esa época, como si el disco hubiera estado guardado en un baúl todo este tiempo para ser abierto ahora, para nuestro disfrute.

Aunque en su página de Facebook etiquetan su estilo como Heavy Rhythm and Blues, los sonidos de este Thief of Time se basan en el hard rock, el blues rock y la psicodelia y recuerdan a grupos como Cream, Cactus, Leaf Hound o Blue Cheer, y yo además los comparaba en esa breve entrada del Top 2016 con otro grupo actual como Radio Moscow, aunque como decía, les tira más el hard rock que a los americanos, con quienes comparten eso sí el amor por el más descarnado buen blues rock.

Así pues, nueve pepinazos y una demoledora versión de"Gimme Shelter" forman este monumento al rock setentero que es Thief of Time. Un disco que va mejorando a medida que van avanzando las canciones, pues aunque "Best" y "Sunny day" son buenos temas es con "Thief of Time" donde The Dues empiezan a demostrar de lo que son capaces y donde, a parte de directos y guitarreros, vemos composiciones más logradas, siempre con un sonido muy macarra y totalmente deudor del underground setentero. Otras destacables son "Water", "Jekyll" o "Silver Star", corte que he elegido como tema clave y que es sin duda uno de los mejores, aunque en conjunto es un trabajo muy solido, en el que nada está de más.

Así pues, otro discazo de rock revival que disfrutar. Un disco sin nada de pose y que apuesta con honestidad y convencimiento por los parámetros del heavy psych setentero actualizándolos al día de hoy.

Atentos estaremos por estos lares a estos suizos y esperemos que vengan más discos como Thief of Time en un futuro.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "Silver Star"

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STONEWALL - St (USA, 1976)

De nuevo nos visita hoy, y para no perder la costumbre, otra joyita del hard setentero. Otro de esos discos de culto que tanto adoramos los fans del underground del hard rock. El LP lanzado primeramente por el sello Tiger Lily es imposible de conseguir, pues la cantidad de copias editada era irrisoria, aunque es cierto que en 2008 lanzaron una reedición. Y después está la que sacó Akarma que, sin saber muy bien porque, titularon al disco como Stoner. Pues muy bien.

En cualquier caso, y sea cual sea la vía por la que tengas acceso a este disco, el caso es que lo que nos ofrecen Stonewall en poco más de 30 minutos es un chute de heavy psych  de los que dan un buen subidón. A pesar de su corta duración Stonewall consigue condensar de manera eficiente todos los elementos que debería tener un buen disco de hard psych y que para mí ejemplifica fenomenalmente el tema "Try & See It Through", esa jam corta pero directa con un solo realmente incendiario que encontramos a mitad de disco.

La forma de cantar de Bruce Rapp es un añadido más y hace que el sonido de Stonewall sea más crudo todavía. Voz que se intercala con la guitarra de Robert Demonte, que nos deja algunos momentos también memorables. Como no podía faltar nada, también tenemos teclados (no muchos pero alguno hay) y hasta harmónica, como en la bluesera "Bloody Mary".

Un manual del mejor hard rock 70's con sus influencias blues rock y acid rock totalmente intactas y bien visibles. Un disco potente, directo y que es para mí uno de los mejores discos en su estilo.

Y a los que os pasais por este cutre-blog, feliz año a todos y mucho rock 'n roll!


VALORACIÓN:  9

TEMA CLAVE: "Try & See It Through"

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LES VARIATIONS - Nador (FRA, 1970)

Les Variations fueron auténticos pioneros del rock francés. Con una formación nutrida de integrantes de origen marroquí, el grupo obtuvo en su momento cierto reconocimiento que les permitió, entre otras cosas, girar por Estados Unidos y su trayectoria se alargó hasta 1975 cuando se disovieron tras grabar cuatro álbumes.

Sin haber escuchado ninguno de sus siguientes tres trabajos, me atrevería a decir que es este Nador el disco que más me interesa de este cuarteto. Quizá las referencias que tengo a cerca de cambios de sonido en sus posteriores álbumes me hayan tirado para atrás todo este tiempo pero en cualquier caso es momento de valorar este disco debut de Les Variations.

Es curioso porque el disco es bastante anglófilo en todos los sentidos. Los temas son todos en inglés y tan solo hay alguna concesión al origen africano de sus miembros en temas como el instrumental "Nador" y en "But It's All Right". Además, su sonido bebe enteramente de los clásicos, desde Led Zeppelin o Cactus hasta MC5 o Steppenwolf, pasando por el rock 'n roll más clásico (influencia que se evidencia en "Mississipi Woman") y ciertos trazos psicodélicos que todavía transmite ese hard rock primigenio, no olvidemos que estamos todavía en 1969, aunque en este punto es necesario señalar como, por momentos, esas guitarras adelantan sonidos que nos hacen pensar de nuevo en uno de esos caso de riffs proto-metal, a cargo esta vez del guitarra Marc Tobaly.

Un gran disco de hard rock. Quizá el mejor que nos haya dejado Francia. Así lo atestiguan temas como el explosivo opener "What a Mess Again" o la potente "Completely Free" que, junto a "Waiting For The Pope" y "But It's All Right" son lo mejor de Nador. Queda por ahí algún tema menor pero no afecta demasiado al resultado final.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "What a Mess Again"

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TIN HOUSE - St (USA, 1971)

Vamos a rescatar del olvido a este power-trio americano del que poca información circula por ahí y que, sorprendentemente, grabó este trabajo en 1971 con el sello grande como Epic, aunque su fama y repercusión fue nula. Y no es que ahora sea muy conocido ni mucho menos. Una pena, aunque ya estamos acostumbrados a estas cosas, pues por estos lares estos discos perdidos saben a gloria, aún con sus defectos.

El sonido de estos tipos recuerda por una parte a grupos de hard rock como Grand Funk, Frijid Pink, Leaf Hound o Highway Robbery pero por otra tienen en ocasiones un aire a los grupos británicos de blues rock y también a los grupos más duros de la psicodelia de finales de los 60. Como dato, y siguiendo con esa conexión con el blues, de las pocas cosas que se sabe que sus miembros es que su guitarrista, Floyd Radford, pasó después de esta aventura en Tin House a ser un habitual de la banda de Johnny Winter.

Un disco corto (el tema más largo no llega a los cuatro minutos) con canciones generalmente directas y muy guitarreras, con numeros brillantes en mi opinión como son "Personal Gain", "30 Weight Blues" o el mejor corte que para mí es "Silver Star", un tema que, junto a algún otro aún deja entrever ramalazos psicodélicos que complementan tan bien esa base hard rock.

Un par de temas menores no le restan demasiado al disco de Tin House y es mayormente una excelente colección de temas que conservan intacta la esencia de los grupos más o menos underground del hard setentero, siendo éste un ejemplar de los que vale la pena escuchar claramente.

VALORACIÓN:  8-8'5

TEMA CLAVE: "Silver Star"

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THEE HYPNOTICS - Come Down Heavy (UK, 1990)

Relegados a estas alturas al manido status de banda de culto, The Hypnotics tuvieron en su momento sus pequeños momentos de gloria compartiendo escena con bandas de la incipienta movida grunge y alternativa que empezaba a florecer a principios de los 90 en Estados Unidos, aunque en ningún caso llegaran a estar considerados como un grupo de primera fila en aquellos momentos, a pesar de elogios provenientes de otros ilustres como Sonic Youth, Black Crowes o Pearl Jam.

Después de hacerse un hueco en la escena alternativa londinense lograron captar la atención del sello SUB POP bajo el que editaron su disco Live'r Than God donde se recogían a partes iguales temas en estudio y en directo y donde Thee Hypnotics ya mostraban sus influencias basadas básicamente en el sonido Detroit con The Stooges y MC5 como principales referencias.

Un año más tarde y esta vez a través del sello Beggar's Banquet, el grupo continuó con este Come Down Heavy reviviendo ese high energy de su primer disco pero al mismo tiempo se adentró en los terrenos del hard rock y el heavy psych, siempre desde una perspectiva sucia y macarra que iba a marcar toda su trayectoria y que en mi opinión alcanza en este disco su cénit, a través de estos diez trallazos de rock and roll que nos retrotraen veinte años atrás, justo en pleno nacimiento del grunge.

Son, por tanto, Thee Hypnotics otros de esos outsiders que, ajenos a modas y aunque ubicados casi por necesidad en la escena grunge, se limitaron a dejarse llevar por sus influencias que iban desde los citados grupos de Detroit hasta Blue Cheer, Led Zeppelin, Captain Beefheart, New York Dolls o Muddy Waters, por citar algunos.

Quizá sea su siguiente trabajo, Soul Glitter & Sin (1991) su disco más reconocido a día de hoy, no lo sé. En él buscan más la experimentación y determinadas atmosferas, siempre sin olvidar su lado más cañero, aunque a mí no me llega tanto como este Come Down Heavy, una auténtica apisonadora de guitarras y decibelios sin descanso desde "Half Man Half Boy", pasando por "All Messed Up" o "(Let It) Come Down Heavy" como ejemplos. Aunque el ritmo no decae y es solo en el último tema, "Revolution Stone", cuando vemos a unos Hypnotics no tan directos y que cierran el disco en formato jam de 9 minutos, y buscando ya nuevos registros que ampliarían en su siguiente álbum.


VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: "(Let It) Come Down Heavy"

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YESTERDAY'S CHILDREN - St (USA, 1970)

Otro ilustre del hard psych USA. Nada más y nada menos que Yesterday's Children y sú único disco.No se comieron una rosca en su momento y el grupo se disolvió tras el escaso éxito de este album pero hoy en dia y, aunque pertenece irremediablemente al underground setentero, el LP de Yesterdey's Children es bien apreciado por todos los fans de la psicodelia más sudorosa y pasada de rosca.

Y no es para menos, ya que este disco captura de forma muy genuina ese sonido hard psych, fruto de esa transición que se vivia en el momento de la psicodelia hacia el rock progresivo y que Yesterday's Children lo ejecutan desde el hard rock, aunque es un hard rock muy bañado en ácido, con ese sonido fuzz y con la bastante innovadora inclusión de dos guitarras, muy bien conjuntadas y que junto a la potente voz de Denis Croce y una contundente base rítmica forman un conjunto muy bien ensamblado.

Temas como "She's Easy" o "Hunter's Moon" son pura energía hardrockera y anticipan un sonido todavía por venir, mientras que en otros como "Paranoia", "Sad Born Loser" o "Sailing" son menos pesados pero tremendamente disfrutables, piezas siempre que entroncan con la psicodelia y donde aún se intuye ese pasado garagero de esta banda de Conneticut. El disco lo completan dos versiones: "What Of I" y "Evil Woman", así como el tema propio "Providence Bummer", donde coquetean con el boggie rock aunque siguen conservando el toque heavy.

Un disco en mi opinión muy bueno, más que por sus temas de forma individual por su sonido en general, que es lo que me parece más interesesante de Yesterday's Children. Un disco que no solo ha sabido envejecer bien (cosa nada fácil) sino que además ha quedado, de forma yo diría que definitiva, como una pieza valiosísima de la movida lisérgica americana, con un sonido muy auténtico y con ocho temas nada rebuscados pero muy bien ejecutados y la verdad, muy disfrutables.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "She's Easy"

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