Mucha gente considera este disco de Bulbous Creation como uno de los grandes dentro de psicodelia más oscura y desconocida de finales de los 60-principios de los 70 aunque tengo que decir que nunca he terminado de pillarle el punto a esta recopilación de temas editada por Rockadelic en 1994, y que cuenta con grabaciones de la banda hechas entre el 69 y el 71 aproximadamente.
Así pues, me he decidido ha darle una nueva oportunidad al disco, después de mucho tiempo sin catarlo, a ver como sonaba tras una escucha detenida. Y no es que me haya volado la cabeza. Vamos a ver. El disco, que ciertamente podríamos en el heavy psych o blues rock psicodélico, está bien y tiene sus momentos pero simplemente no es uno de los ejemplos más brillantes que podemos encontrar en el estilo. En mi opinión acusa por una parte un sonido no muy bueno y por otra una ejecución a la que, para mí, le falta alma y contundencia.
Es verdad que en sí esta bien en el aspecto musical, basicamente un blues rock oscuro y ácido con una buena, aunque algo contenida, guitarra fuzz y donde bajo y batería acompañan bien. No así las voces, que suenan pobres y le restan bastante al sonido de Bulbous Creation. Son por tanto esos momentos, como en "Let's Go to The Sea" con esa parte final con el solo de guitarra o en temas con más brío, como "Under The black Sun" cuando despuntan los de Kansas, aunque en general, como decía, me da todo el rato la sensación de le falta enjundia, de que no acaba de explotar. Otro ejemplo es la aportación mínima que tienen los teclados en el álbum.
En fin, que sigue sin maravillarme y creo que definitivamente nunca lo hará. Es cierto que es un disco muy correcto y en un estilo que particularmente me encanta pero por unas cosas o por otras no me transmite como otros. Una pena!
Podríamos decir que Orange Sunshine fueron, a comienzos de siglo, unos de los iniciadores del resurgimiento de un estilo de rock que miraba directamente a finales de los 60 y principios de los 70, y teniendo como referiencia principal en su propuesta a Blue Cheer, pero también el blues rock de Cream y Hendrix y la crudeza de las bandas de Detroit como Stooges, MC5 o incluso Frijid Pink.
Es curioso, por otra parte, que se mencione como influencia del grupo a una banda oscurísima (a la cual aprecio bastante) como es Stack Waddy, un trío inglés que practicaba un blues rock muy sucio, a caballo entre el hard rock, el garage y el punk y que dejó un par de discos muy interesantes y que ciertamente comparten con Orange Sunchine no solo sonido sino una peculiar actitud macarra y una gran visceralidad a la hora de ejecutar sus canciones.
Y decía lo de que curioso porque siempre me ha parecido que el tema que abre este disco "Hush Hush" era idéntico a otro de Stack Waddy llamado "Love Story" hasta tal punto de pensar que es una versión, cosa que creo que definitivamente habría que descartar y pensar que los holandeses se inspiraron sobremanera en Stack Waddy para componer esta canción.
Más allá de esto, que me parece casi que anecdótico, Homo Erectus no deja de ser un gran disco, quizá no desde el aspecto compositivo pero sí desde el emocional y desde las sensaciones que transmite a través de ese blues rock de actitud punk y cargado de fuzz, distorsion y mucho LSD, como no podía ser de otra manera.
Todavía dejaron un par de discos más después de este antes de desaparecer. Dos discos que siguieron la estela de este Homo Erectus aunque es cierto que perdieron un poco el factor sorpresa y para mí un poco también esa frescura que da el disco debut.
No es un álbum extraordinario pero sí que es un artefacto interesante para los que busquen indagar como iba naciendo a principios de siglo, todavía de forma tímida y dispersa, un movimiento revival que eclosionaría pocos años después.
Toca viajar de nuevo a tierras californianas con Banquet, un cuarteto de San Francisco que editó este disco a principios del año pasado con Heavy Psych Sounds y que la verdad me llamó mucho la atención cuando lo escuché con una propuesta de heavy psych muy macarra y contundente, y que se sustenta con esa dupla de guitarras de Doug Stuckey y Brandon Chester que se imponen en el sonido de este Jupiter Rose.
Como decía, el sonido de este disco es muy sucio y guitarrero, y recuerda por una parte a otras bandas californianas como Sacri Monti, Radio Moscow y demás pero por otra está más cerca del hard rock setentero o de grupos actuales como los primeros Heat o Kadavar.
Del disco se puede criticar que no está muy pulido o que va a piñón fijo pero es lo que hay, y es que aquí no hay trampa ni cartón y Banquet tan solo pretenden darse un festín del heavy psych más pasado de rosca para mí de una forma honesta y sin el postureo que se ve hoy en día en algunas bandas que salen a la moda de lo retro, estos son militantes de pura cepa.
Así pues, un disco muy del género y que de ahí no sale, para lo bueno y para lo malo. A mí me encanta, y sobretodo destacaría temazos como "Burning Bridges" o la mejor que es la que da título al álbum, "Jupiter Rose".
Uno de mis discos preferidos dentro del heavy psych de los últimos años es el de los catalanes Prisma Circus llamado Reminiscencesaparecido en el año 2013, y que fue su único trabajo como banda, a parte de un gran EP previo un año antes.
Pues bien, como comenté en las Novedades de mayo, otro power-trio formado de las cenizas de Prisma Circus a través de su batería Alex Carmona, junto con Gastón Lainé a la guitarra y Pol Ventura al bajo (ex de Brain Pyramid y 1886 respectivamente) han formado este grupo que recupera en cierta manera la propuesta de Prisma Circus aunque dándole un enfoque más psicodélico y progresivo que estos, en este nuevo proyecto llamado Cachemira.
El disco es como una pequeña píldora de heavy psych. Y es que Jungla siempre me hace preguntarme porque decidieron hacer un álbum tan corto, de tan solo 30 minutos de duración, sin que eso sea per se algo malo (más bien lo contrario) pero con la sensación de que con algún tema más el disco hubiera podido ser algo mucho más grande.
Con todo, Jungla es una gozada para disfrutar de un sonido que mira directamente a los 70, a los grupos de heavy blues psicodélico y reivindica una vez más el formato trío, donde apreciamos cada instrumento plenamente guiados por una guitarra cargada de fuzz y wah wah que es una delicia.
Esperemos que el camino de Cachemira no se detenga aquí y pronto lleguen con otro disco que nos haga disfrutar como este Jungla, uno de los grandes discos de este año.
Vamos a rescatar hoy un álbum de 2014, el segundo de una banda que ya ha editado tres, siendo éste en mi opinión el mejor de ellos. Y es que cuando escuché en su momento Under the Spell of Joy, prácticamente sin expectativa alguna, me voló la cabeza.
Las referencias de Joy van de las bandas clásicas de los 70 como Hendrix o Cream a otras actuales como Radio Moscow, no en vano el guitarrista de este grupo, Parker Griggs participa en este disco, además también de Rik Turner de Hawkwind. No se puede negar que, ya sea por la presencia de Griggs o no, el sonido de Joy es primo hermano de Radio Moscow en una propuesta que también aboga por el heavy psych y blues rock que tan de moda parece estar últimamente en California con bandas como las que estamos hablando y otras como Sacri Monti, Petyr o los fundacionales Earthless.
El disco, que inicia con "Under the Spell" a modo de intro, es un ejercicio de desaforado heavy psych con una guitarra salvaje de Zach Oakley, omnipresente en todo momento y lanzando solos incendiarios a mansalva, como podemos comprobar en "Miles Away" y "Confusion", dos temas que abren el disco con una enorme carga guitarrera. El trabajo tiene en general un punto, no se como decirlo, de improvisación o de sonar a algo no muy pulido, propio de una jam band que, unido a unas voces que no son definitivamente el punto fuerte del grupo, hace que todo suene un poco como a directo sin serlo.
Un disco pues de sensaciones, de improvisación por encima de composición y de una carga eléctrica increible asentada en el bendito formato de power-trío. El posterior Ride Along! (2016) me pareció un pequeño paso atrás en la evolución del grupo aún sin estar nada mal, pero es que ni ni éste ni en su más que digno debut Joy (2012) llegan a las cotas de excelencia de este Under the Spell of Joy, un auténtico placer para las orejas.
Estamos hoy ante uno de esos discos que tarde o temprano tenía que caer por aquí. Mariani, un disco de culto se podría decir, al menos en lo que se refiere al rock setentero. Y es que varios factores contribuyen a este status para este, único trabajo de la formación.
En primer lugar la presencia de un jovencísimo Eric Johnson en la guitarra (17 años) quien deslumbra a la guitarra en un estilo que recuerda en su trabajo a las seis cuerdas a Cream y Hendrix y muestra un desparpajo y una facilidad para hacer solos y demás pirotecnia guitarrera rara vez vista en otros discos.
Los factores que envuelven a la grabación y edición del álbum también han contribuido a su caracter legendario entre los coleccionistas. Y esque Perpetuum Mobile fue lanzado como como demo y en una cantidad irrisoria de 150 copias por el sello Sonobeat, con lo cual conseguir una copia es poco más que imposible. Después vendrían otras rediciones, como la de Akarma. En ellas vienen incluidos pequeños interludios entre los cuatro primeros temas, estos ya con los nombres cambiados y creo que algún tema extra.
Así pues, unas peculiares condiciones de grabación, una escasa distribución y un guitar hero teenager haciendo una master class de heavy psych han hecho de este disco de Mariani un álbum mítico que auna, aún faltándole la solidez de una obra bien acabada, algunas de las características necesarias para consagrarse como un disco de culto del hard rock setentero.
Excelente disco de hard rock primitivo, con bastante aire underground en cuanto a sonido y por supuesto en cuanto a repercusión, pero sorprendentemente bueno. El sonido de Samuel Prody es duro y bruto, y recuerda a otras bandas como Ancient Grease, Yesterday's Children, Sir Lord Baltimore o Blue Cheer.
Como suele ocurrir con este tipo de discos, lo que más me gusta de Samul Prody es esa confluencia de proto-metal, blues rock y rock psicodélico que caracteriza a estos trabajos y que con tanta naturalidad se entremezcla en sus temas. A esto hay que añadirle un sonido bastante crudo y poco pulido y una ejecución que es bruta pero que técnicamente es más que eficiente, con una buena sección rítmica y una gran guitarra solista. Asímismo, las siete canciones que forman el disco son muy disfrutables y este no tiene altibajos en un artefacto de descarnados sonidos de primitivo hard rock. Solo "Hallucination" se sale de la tónica general buscando un poco más el formato jam tribal en un tema con diferentes partes aunque nunca llega al exceso.
Solo dejaron este álbum este cuarteto de Brighton pero en mi opinión es una pieza de obligada escucha, un disco cuyas bondades musicales no se corresponden con su reconocimiento, puesto es poco conocido en comparación de otros de estilo y calidad similares.
VALORACIÓN:8
TEMA CLAVE: "Scat Shuffle"
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Emerge es quizá el trabajo menos apreciado, a nivel general, de The Litter aunque personalmente podría decir que a mí es el que más me gusta. Y no es por llevar la contraria, es más, su álbum debut me encanta y del segundo no puedo hablar porque no lo he escuchado pero es que por sus características y su estilo Emerge va mucho con mis gustos.
Y digo que es menos apreciado, y debería añadir que por los puristas del garage, pues esta banda de Minneapolis es conocida principalmente por el fervoroso garage rock mostrado al inicio de su carrera como en el comentado debut Distortions (1967) y para este disco vemos como aún conservando esa esencia garagera el sonido se endurece, si se puede decir así, hacia el hard rock psicodélico aderezado a base de fuzz y una potente batería.
El disco me encanta en su conjunto porque tiene esa agresividad y actitud del garage, casi punk y la fuerza de la psicodelia más pasada de rosca. Yo además, y sin entrar a valorar cambios de estilo o demás, veo un punto más de madurez en el sonido de Emerge respecto a Distortions. ¿Que se suben al carro de la psicodelia y la moda del momento? Pues no veo el problema si se hace tan bien como lo hacen aquí The Litter.
Un excelente disco que, además, da gusto escuchar del tirón, pues The Litter no cayeron en el dichoso cliché de meter un par de temas folk/country/baladas de relleno que siempre tienes que acabar pasando, sinó que la cosa va a piñon fijo de principio a fin. Eso sí, ahí está "Future Of The Past" con sus 12 minutos y su solo de batería, mostrándonos lo difícil que es no caer en los tópicos.
En cualquier caso, repito, un gran disco. De los buenos en su género sin duda.
VALORACIÓN:8-8'5
TEMA CLAVE: "Little Red Book"
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Ponerle nombre a tu grupo puede ser tan fácil como asomarte por la ventana de tu cocina y ponerle el nombre de lo primero que veas (en este caso un tractor). Y eso fue lo que parece ser hicieron estos ingleses, aunque el cambio de nombre de The Way We Live a Tractor tampoco parece que tenga demasiado sentido a no ser que la robustez del tractor se empareje también a su música, pues definitivamente este disco de Tractor es más potente que ese más que decente disco de The Way We Live de 1971. Es más, ACandle For Judith me parece un gran disco, aún con sus altibajos.
Y es que precisamente de altibajos también habría que hablar en este álbum, que tras el atronador inicio con "All Ends Up" y "Little Girl in Yellow" con el fuzz a tope, atraviesa una parte intermedia que mezcla lo convencional ("Ravencroft's 13 Bar Boogie") con su varienta más calmada ("The Watcher", "Shubunkin") para volver en su parte final a mostrarnos de nuevo su lado más crudo y salvaje en los últimos cortes.
El disco no es fácil de catalogar. Alguien debió hacerlo en un principio y se le ocurrió incluirlo en el rock progresivo aunque no es una etiqueta demasiado acertada en mi opinión, pues aunque en ciertos aspectos y momentos su instrumentación sí que se asemeja a estos sonidos ("Everytime it Happens"), yo en general lo veo más cerca de la psicodelia y el heavy psych por el uso de Jim Milne de la guitarra fuzz (también en las voces: vease "Make The Journey") y por esa variedad e indefinición que al final queda tras escuchar el disco, aunque como digo uno lo situaria más en el sonido, no de 1972, sino de dos o tres años antes.
Ah! Y como dato sorprendente que yo ni sabía, esta maravilla se la guisan y se la comen el citado Jim Milne (guitarra, bajo y voces) y Steve Clayton (bajo y batería), un formato el de duo poco habitual en esa época pero que no obstante obtiene en este disco un gran resultado. Es más, tengo entendido que por el año 2007 se volvieron a reunir para grabar alguna cosa o actuar, no lo tengo muy claro.
En fin el disco sobretodo por su principio y su final es muy recomendable. La parte central le resta un poco pero hay que escucharlo sí o sí.
VALORACIÓN:8'5
TEMA CLAVE: "All Ends Up"
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Josefus son una banda adorada en el mundillo del heavy psych setentero. Tal cosa es curiosa (aunque no extraña) por ser una banda marginal en su repercusión y popularidad a nivel general, pero en el pequeño círculo de los que nos movemos por el underground setentero quien más o quien menos está al corriente de este monstruo tejano.
Por unas razones u otras, es su primer álbum, Dead Man (1970) el que generalmente se destaca como el mejor aunque a mí el que más me gusta es este homónimo, aparecido el mismo año que su debut y que, en mi opinión, suena mejor, a pesar de no tener un tema como "Dead Man", la monstruosa jam de 17 minutos que cierra ese primer disco.
Sin embargo, en este segundo álbum encontramos diez tema de una duración la cual ninguno pasa de los seis minutos pero que en términos generales resulta más satisfactoria que en la anterior entrega. Para empezar el sonido es mejor, y no es que le de demasiada importancia a la calidad del sonido en este tipo de discos, es más, me gusta el toque cafre que tienen ya que es una marca de la casa, pero lo cierto es que aquí esa mejora le da como más empaque al asunto. Los temas en sí también me parecen superiores. Siguen estando en la misma linea de ese heavy acid rock de base bluesy y destellos country pero mejoran lo anterior para dejarnos una de las joyas heavy psych de este glorioso periodo de la música.
Una curiosidad que me pasa con este disco es que cuando lo escuché por primera vez descargado de internet contenía un tema que no era de este álbum sino que pertenecía a un single editado en 1979. El tema en cuestión es "On Account of You" y puede que sea mi canción preferida curiosamente. Así que esta casualidad, unido a que fue el primer disco que escuche del grupo, han hecho que sea mi preferido de Josefus al final.
De cualquier manera hay una buena sucesión de temas de la psicodelia más cruda y pasada de rosca en este Josefus: "Bald Peach", "Feelin' Good" o "Sefus Blues" valdrían como ejemplo. Solo "Jimmy, Jimmy" y el country de "Such is Life" se salen de la tónica general aunque no empañan el trabajo.
Una debilidad personal este disco. Aquí no hay grandes composiciones o cuidadas melodías, solo psicodelia cafre y trasnochada con el particular sello de Texas. Para que pedir más.
VALORACIÓN:8'5-9
TEMA CLAVE: "Bs Creek"
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Ty Segall se ha convertido en una de las principales figuras del rock de los últimos años. Con sus virtudes y sus defectos, el californiano se ha convertido en una referencia en la escena actual en parte gracias a su profusa creatividad, que le ha permitido grabar infinidad de discos con diferentes proyectos y colaboraciones en apenas 10 años.
Pero no solo es una cuestión de cantidad. En mi opinión, la principal virtud de Ty Segall consiste en haber puesto de acuerdo, no solo a crítica especializada y público, sino también a diferentes tipos de oyentes con gustos muy diferentes, gracias sobre todo a un sonido moderno pero que a la vez se nutre de referencias 60's y 70's.
Así pues, y aunque su proyecto principal es como Ty Segall o Ty Segall Band, por las características de este blog me parece lo más adecuado escoger a Fuzz para presentar a Segall en sociedad. Y es que mientras como Ty Segall se prodiga en una vertiente más garagera y noise rock, en Fuzz da rienda suelta a su lado más heavy psych, siempre desde su particular perspectiva.
Es cierto que en su primer álbum (Fuzz, 2013) quiza se adapte más a esa etiqueta de heavy psych y stoner rock de potentes riffs y que en este segundo se haya aproximado más a la psicodelia y el garage pero ambos discos resultan igualmente interesantes para ver esa faceta que Ty Segall quizá no puede explotar en solitario y que sí lo puede hacer en Fuzz, de amor por los riffs pesados a lo Sabbath y la psicodelia más dura a lo Blue Cheer.
Es cierto que en este segundo disco, y esto no ocurría en el primero, Fuzz se exceden ofreciendo 14 temas (además el último de 14 minutos) de forma que se cuelan algunos de relleno, pero hay que recordar que estamos hablando de Ty Segall, siendo esta incontinencia compositiva una de las características que lo definen como músico y ante la que nada se puede hacer. No obstante, me gusta más este disco, aparte de por su sonido más psicodélico porque tiene algunos temazos de los que carecía su notable debut. Cortes como "Let It Live", "Pipe", "Silent Sits the Dust Bowl" o el tema que para mí redefine la psicodelia pesada de los 70 a los canones actuales como es "Say Hello", un temazo de bandera. Por no olvidarnos del exceso y la locura del tema final, "II", que es un canto de amor a las jams psicodélicas de la época.
Un disco que, como decía al principio tiene todo lo bueno y también lo malo de Ty Segall, pero que en su conjunto se constituye como una obra de referencia por aunar lo nuevo y lo viejo. Aquí no hay copias ni homenajes a grupos antiguos sino que todo suena a nuevo aunque su sonido sea más que reconocible.
Un trabajo que actualiza el heavy psych a los parámetros actuales como ningún otro disco de revival ha podido hacer, lo cual se ejemplifica en su mejor corte, "Say Hello", bandera de de este monumento psicodélico.
El de B.F. Trike (o Hickory Wind, como eran conocidos en su momento) es uno de los discos más oscuros de heavy psych que seguramente nos podamos encontrar. Tiene además un balance muy bueno entre calidad musical y grado de underground en el que se encuentra.
Estas grabaciones (la mayoría de 1971) fueron editadas en 1988 por Rockadelic, y lo cierto es que la producción no es muy buena como se puede comprobar, aunque hace poco me comentaron que existe por ahí una edición de Atlas con buena calidad, lo cual mejoraría bastante lo que nos encontramos en este disco.
Y lo que encontramos no es más que un catálogo de heavy psych con mucha fuzz, directo y de temas cortos pero demoledores en su mayoría. Se sale de ese espectro la balada "Sunshine", pero el resto es heavy psych crudo y guitarrero combinado con ciertas armonías pop. Es cierto que el disco tiene un toque amateur (en parte por la producción) y que en el aspecto compositivo no estamos hablando de nada del otro mundo pero como artefacto de fuzz psicodélico es sorprendente, en una onda a los primeros Blue Cheer, Wildfire, Stonewall, etc, aunque inferior.
En cualquier caso, un disco obligado para fans del heavy psych y de los sonidos más cafres del glorioso periodo final 60's-early 70's.
El trío suizo The Dues ya hizo su aparición en este blog cuando se coló hace no mucho en la lista de lo mejor del pasado año, siendo una de la las apariciones más interesantes del curso anterior.
Como comenté brevemente en su momento, The Dues son un trío a la antigua usanza. Obviamente el estilo recuerda a las bandas de finales de los 60 y principios de los 70 pero lo de The Dues va más allá, pues sus composiciones, su forma de ejecutarlas y su sonido parecen asombrosamente provenientes de esa época, como si el disco hubiera estado guardado en un baúl todo este tiempo para ser abierto ahora, para nuestro disfrute.
Aunque en su página de Facebook etiquetan su estilo como Heavy Rhythm and Blues, los sonidos de este Thief of Time se basan en el hard rock, el blues rock y la psicodelia y recuerdan a grupos como Cream, Cactus, Leaf Hound o Blue Cheer, y yo además los comparaba en esa breve entrada del Top 2016 con otro grupo actual como Radio Moscow, aunque como decía, les tira más el hard rock que a los americanos, con quienes comparten eso sí el amor por el más descarnado buen blues rock.
Así pues, nueve pepinazos y una demoledora versión de"Gimme Shelter" forman este monumento al rock setentero que es Thief of Time. Un disco que va mejorando a medida que van avanzando las canciones, pues aunque "Best" y "Sunny day" son buenos temas es con "Thief of Time" donde The Dues empiezan a demostrar de lo que son capaces y donde, a parte de directos y guitarreros, vemos composiciones más logradas, siempre con un sonido muy macarra y totalmente deudor del underground setentero. Otras destacables son "Water", "Jekyll" o "Silver Star", corte que he elegido como tema clave y que es sin duda uno de los mejores, aunque en conjunto es un trabajo muy solido, en el que nada está de más.
Así pues, otro discazo de rock revival que disfrutar. Un disco sin nada de pose y que apuesta con honestidad y convencimiento por los parámetros del heavy psych setentero actualizándolos al día de hoy.
Atentos estaremos por estos lares a estos suizos y esperemos que vengan más discos como Thief of Time en un futuro.
De nuevo nos visita hoy, y para no perder la costumbre, otra joyita del hard setentero. Otro de esos discos de culto que tanto adoramos los fans del underground del hard rock. El LP lanzado primeramente por el sello Tiger Lily es imposible de conseguir, pues la cantidad de copias editada era irrisoria, aunque es cierto que en 2008 lanzaron una reedición. Y después está la que sacó Akarma que, sin saber muy bien porque, titularon al disco como Stoner. Pues muy bien.
En cualquier caso, y sea cual sea la vía por la que tengas acceso a este disco, el caso es que lo que nos ofrecen Stonewall en poco más de 30 minutos es un chute de heavy psych de los que dan un buen subidón. A pesar de su corta duración Stonewall consigue condensar de manera eficiente todos los elementos que debería tener un buen disco de hard psych y que para mí ejemplifica fenomenalmente el tema "Try & See It Through", esa jam corta pero directa con un solo realmente incendiario que encontramos a mitad de disco.
La forma de cantar de Bruce Rapp es un añadido más y hace que el sonido de Stonewall sea más crudo todavía. Voz que se intercala con la guitarra de Robert Demonte, que nos deja algunos momentos también memorables. Como no podía faltar nada, también tenemos teclados (no muchos pero alguno hay) y hasta harmónica, como en la bluesera "Bloody Mary".
Un manual del mejor hard rock 70's con sus influencias blues rock y acid rock totalmente intactas y bien visibles. Un disco potente, directo y que es para mí uno de los mejores discos en su estilo.
Y a los que os pasais por este cutre-blog, feliz año a todos y mucho rock 'n roll!
Les Variations fueron auténticos pioneros del rock francés. Con una formación nutrida de integrantes de origen marroquí, el grupo obtuvo en su momento cierto reconocimiento que les permitió, entre otras cosas, girar por Estados Unidos y su trayectoria se alargó hasta 1975 cuando se disovieron tras grabar cuatro álbumes.
Sin haber escuchado ninguno de sus siguientes tres trabajos, me atrevería a decir que es este Nador el disco que más me interesa de este cuarteto. Quizá las referencias que tengo a cerca de cambios de sonido en sus posteriores álbumes me hayan tirado para atrás todo este tiempo pero en cualquier caso es momento de valorar este disco debut de Les Variations.
Es curioso porque el disco es bastante anglófilo en todos los sentidos. Los temas son todos en inglés y tan solo hay alguna concesión al origen africano de sus miembros en temas como el instrumental "Nador" y en "But It's All Right". Además, su sonido bebe enteramente de los clásicos, desde Led Zeppelin o Cactus hasta MC5 o Steppenwolf, pasando por el rock 'n roll más clásico (influencia que se evidencia en "Mississipi Woman") y ciertos trazos psicodélicos que todavía transmite ese hard rock primigenio, no olvidemos que estamos todavía en 1969, aunque en este punto es necesario señalar como, por momentos, esas guitarras adelantan sonidos que nos hacen pensar de nuevo en uno de esos caso de riffs proto-metal, a cargo esta vez del guitarra Marc Tobaly.
Un gran disco de hard rock. Quizá el mejor que nos haya dejado Francia. Así lo atestiguan temas como el explosivo opener "What a Mess Again" o la potente "Completely Free" que, junto a "Waiting For The Pope" y "But It's All Right" son lo mejor de Nador. Queda por ahí algún tema menor pero no afecta demasiado al resultado final.
VALORACIÓN:8'5
TEMA CLAVE: "What a Mess Again"
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Relegados a estas alturas al manido status de banda de culto, The Hypnotics tuvieron en su momento sus pequeños momentos de gloria compartiendo escena con bandas de la incipienta movida grunge y alternativa que empezaba a florecer a principios de los 90 en Estados Unidos, aunque en ningún caso llegaran a estar considerados como un grupo de primera fila en aquellos momentos, a pesar de elogios provenientes de otros ilustres como Sonic Youth, Black Crowes o Pearl Jam.
Después de hacerse un hueco en la escena alternativa londinense lograron captar la atención del sello SUB POP bajo el que editaron su disco Live'r Than God donde se recogían a partes iguales temas en estudio y en directo y donde Thee Hypnotics ya mostraban sus influencias basadas básicamente en el sonido Detroit con The Stooges y MC5 como principales referencias.
Un año más tarde y esta vez a través del sello Beggar's Banquet, el grupo continuó con este Come Down Heavy reviviendo ese high energy de su primer disco pero al mismo tiempo se adentró en los terrenos del hard rock y el heavy psych, siempre desde una perspectiva sucia y macarra que iba a marcar toda su trayectoria y que en mi opinión alcanza en este disco su cénit, a través de estos diez trallazos de rock and roll que nos retrotraen veinte años atrás, justo en pleno nacimiento del grunge.
Son, por tanto, Thee Hypnotics otros de esos outsiders que, ajenos a modas y aunque ubicados casi por necesidad en la escena grunge, se limitaron a dejarse llevar por sus influencias que iban desde los citados grupos de Detroit hasta Blue Cheer, Led Zeppelin, Captain Beefheart, New York Dolls o Muddy Waters, por citar algunos.
Quizá sea su siguiente trabajo, Soul Glitter & Sin (1991) su disco más reconocido a día de hoy, no lo sé. En él buscan más la experimentación y determinadas atmosferas, siempre sin olvidar su lado más cañero, aunque a mí no me llega tanto como este Come Down Heavy, una auténtica apisonadora de guitarras y decibelios sin descanso desde "Half Man Half Boy", pasando por "All Messed Up" o "(Let It) Come Down Heavy" como ejemplos. Aunque el ritmo no decae y es solo en el último tema, "Revolution Stone", cuando vemos a unos Hypnotics no tan directos y que cierran el disco en formato jam de 9 minutos, y buscando ya nuevos registros que ampliarían en su siguiente álbum.
VALORACIÓN:8'5
TEMA CLAVE: "(Let It) Come Down Heavy"
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Otro ilustre del hard psych USA. Nada más y nada menos que Yesterday's Children y sú único disco.No se comieron una rosca en su momento y el grupo se disolvió tras el escaso éxito de este album pero hoy en dia y, aunque pertenece irremediablemente al underground setentero, el LP de Yesterdey's Children es bien apreciado por todos los fans de la psicodelia más sudorosa y pasada de rosca.
Y no es para menos, ya que este disco captura de forma muy genuina ese sonido hard psych, fruto de esa transición que se vivia en el momento de la psicodelia hacia el rock progresivo y que Yesterday's Children lo ejecutan desde el hard rock, aunque es un hard rock muy bañado en ácido, con ese sonido fuzz y con la bastante innovadora inclusión de dos guitarras, muy bien conjuntadas y que junto a la potente voz de Denis Croce y una contundente base rítmica forman un conjunto muy bien ensamblado.
Temas como "She's Easy" o "Hunter's Moon" son pura energía hardrockera y anticipan un sonido todavía por venir, mientras que en otros como "Paranoia", "Sad Born Loser" o "Sailing" son menos pesados pero tremendamente disfrutables, piezas siempre que entroncan con la psicodelia y donde aún se intuye ese pasado garagero de esta banda de Conneticut. El disco lo completan dos versiones: "What Of I" y "Evil Woman", así como el tema propio "Providence Bummer", donde coquetean con el boggie rock aunque siguen conservando el toque heavy.
Un disco en mi opinión muy bueno, más que por sus temas de forma individual por su sonido en general, que es lo que me parece más interesesante de Yesterday's Children. Un disco que no solo ha sabido envejecer bien (cosa nada fácil) sino que además ha quedado, de forma yo diría que definitiva, como una pieza valiosísima de la movida lisérgica americana, con un sonido muy auténtico y con ocho temas nada rebuscados pero muy bien ejecutados y la verdad, muy disfrutables.
VALORACIÓN:8'5-9
TEMA CLAVE: "She's Easy"
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Parece ser que Banchee sí que tuvieron algo de fama por un breve periodo de tiempo, aunque reducida al area de Boston, de donde provenían el guitarra solista Peter Alongi y el bajista Michael Gregory Marino que se encargaron de reclutar al resto de miembros por los clubs de la zona hasta formar el grupo, aunque algunos miembros cambien entre el primer y el segundo disco.
Sin embargo parece ser que no vendieron un pimiento los pobres de Banchee. Tampoco parece ser que recibieran demasiada promoción de las dos discograficas donde grabaron sus dos LPs así que pronto se separaron dejando como legado este Thinkin' y su primer disco auto-titulado Banchee (1969).
En fin, la historia es mil veces vista y oida. Sobretodo en este blog, muy pendiente siempre de rescatar estos grupos y discos del underground sixties & seventies.
Y entrando en el meollo decir que, que conste que el primer disco de Banchee me gusta mucho, con temazos como "I Just Don't Know" o "Beautiful Day", que más de una vez han caido en algún que otro recopilatorio casero, pero es que este segundo disco tiene esa vuelta de tuerca guitarrera que tan fácilmente me cautiva.
Así pues a grandes rasgos mientras en el primer disco nos encontramos una psicodelia que mezcla momentos heavies con otros tranquilos, yendo del heavy psych hasta casi el psych folk, en este Thinkin' el grupo se aprieta las clavijas y ya desde el inicio con "John Doe" atacan con psicodelia guitarrera de la buena, siempre combinada brillantemente con armonías vocales que hacen de este disco uno de los mejores álbumes de heavy acid rock de su momento. Temas como el citado, "Wilya", "38" o el propio "Thinkin'" que da dan buena cuenta de la capacidad de Banchee para facturar material de primera.
Lo que me flipa a mí es como suena esa guitarra solista a lo largo del disco. Esa guitarra ácida que tiene ese sonido tan especial que por mucho que los grupos actuales intenten reproducir solo estas bandas antiguas son capaces de capturar y que exceptuando en la pseudo balada "Iceberg" podemos drisfutar en todo el disco.
Es por tanto un gran disco este de Banchee y en su estilo de lo mejorcito. Puede que en su momento no tuvieran suerte los de Boston pero la consideración hacía este grupo ahora en la era internet puedo asegurar que es excelente, siempre hablando desde el punto de vista de los psych-freaks, al menos.
VALORACIÓN:8'5/9
TEMA CLAVE: "38"
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Estamos hoy ante uno de los discos menos accesibles de los que han pasado por Stoned Guitar. Un disco que, no obstante, conecta perfectamente con la carta de estilo de este blog, dedicado a los sonidos psicodélicos, pesados y guitarreros en toda su amplitud. Un disco que me horrorizó a la primera escucha pero por el que ahora siento fascinación.
Provenientes de Washington, Dead Meadow crecieron al amparo de la pequeña escena punk del DC, con bandas como Fugazi, aunque ellos bebían más de otros como Led Zeppelin, Black Sabbath o 13th Floor Elevators. Según su guitarrista y cantante Jason Simon, la forma de llamar la atención en una escena rodeados de punks fue sumergirse en los sonidos de estas bandas y empezar a tocar canciones de diez minutos con solos largos y riffs pesados, aunque hubo que moverse a California, con una escena psicodélica más establecida. Y ahí empieza la historia de Dead Meadow con, hasta el momento, ocho discos a sus espaldas.
El que hoy nos ocupa, el de su debut, es mi preferido por el momento y yo creo que difícilmente otro disco del grupo le va a quitar el puesto a este gran trabajo. Y eso que, como decía antes, en mi primer contacto con el disco no hubo mucho feeling. Se juntaron dos cosas: una, que esperaba algo más clásico tirando a rock/psicodelia 70's; y dos, la voz de mierda del cantante me molestaba sobremanera.Y es curioso porque, aunque me he acostumbrado, me sigue irritando la voz de Jason Simon, que sigue siendo el motivo por el que mucha gente reniega un poco de escuchar a Dead Meadow.
Y si la voz es el punto flojo, lo fuerte viene en la instrumentación, que acapara todo el protagonismo y minimiza lo anterior. Porque Dead Meadow es una avalancha de distorsión, riffs y atmósferas alucinadas, que toma su referencia en la psicodelia de finales de los 60 pero que la filtra bajo los estándares del lo-fi y el stoner más o menos alternativo, creando un vínculo entre lo viejo y lo nuevo realmente genuino y que parece fluir, de la mano de este power-trío, de manera natural y sin forzar de ninguna manera.
En el disco predomina el desenfreno fuzz y los riffs distorsionados como en "Indian Bones", "Lady" o la impresionante "Beyond The Fields We Know" y oxigena un poco el ambiente con los cortes "Dragonfly" y "At The End Of The World" quedando un álbum igualmente denso, espeso y perturbador.
Un viaje que renueva los códigos del rock ácido tomados de Blue Cheer y 13th Floor Elevators y los presenta a un nuevo siglo de forma novedosa y sin impostar. Lastimosamente, nuncá sera reivindicada y reconocida como se merece la propuesta de Dead Meadow, pues no es suficiente cool para modernos ni suficientemente clásica para clásicos. Aunque no sé, quizá me equivoque.
Por último comentar que, después de este disco ya no me sorprendieron tanto Dead Meadow (de lo que llevo escuchado), aún así, siguen teniendo álbumes más que interesantes que vale la pena escuchar.
VALORACIÓN:8'5/9
TEMA CLAVE:"Beyond The Fiels We Know"
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Cuenta la leyenda (vamos a decirlo así) que la banda de Dave "Stoney" Mazu, The Jagged Edge, se comieron a los Doors en su actuación en el Cobo Hall de Detroit en 1969 en un show que como solía ser habitual, plasmaba la fiereza y energía que les caracterizaba sobre el escenario. Escenario que, por cierto, también habían compartido abriendo para otros ilustres como Pink Floyd, Blue Cheer, Traffic, entre otros.
Como tantas otras bandas, este combo tenía categoría de sobra para triunfar pero parece ser que no tuvieron suerte con el manager, el sello discográfico y demás y el disco nunca salió a luz, con la posterior, y lógica, desintegración de la banda.
A pesar de los comentarios que circulaban de que las cintas habían sido destruidas, perdidas o incluso pasto de las llamas en los estudios de grabación (no tengo claro cual es la versión real) la cuestión es que aparecieron 45 años después gracias, o a pesar de, el manager del grupo en su momento, Jeep Holland. Las grabaciones originales de 1968 fueron rescatadas y viajaron hasta Londres donde fueron editadas el 2014 para suerte de melómanos en general.
Aunque no soy muy dado a explayarme en biografías en las estradas a los discos encontraba conveniente contar un poco la historia de Stoney & the Jagged Edge pues las grabaciones aparecientes en este Chasing Rainbows me parecen apasionantes teniendo sobretodo en cuenta lo reciente de su edición y que hasta la fecha hayan sido prácticamente desconocidas.
The Jagged Edge mostraban la salvaje puesta en escena y actitud de las bandas de Detroit como Stooges o MC5 pero su sonido bebía más de Cream y Jimi Hendrix en una psicodelia dura y visceral, como se puede apreciar en los seis temas que conforman un disco, que destaca por un impresionante frontman arropado de guitarras distorsionadas y punzantes.
Un gran disco que vale pena no solo escuchar sino también dar a conocer pues hará las delicias de los ávidos del heavy psych auténtico y primigeneo.
VALORACIÓN:8'5
TEMA CLAVE:"Delilah"
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