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domingo, 7 de enero de 2018

BULBOUS CREATION - You Won't Remember Dying (USA, 1994)

Mucha gente considera este disco de Bulbous Creation como uno de los grandes dentro de psicodelia más oscura y desconocida de finales de los 60-principios de los 70 aunque tengo que decir que nunca he terminado de pillarle el punto a esta recopilación de temas editada por Rockadelic en 1994, y que cuenta con grabaciones de la banda hechas entre el 69 y el 71 aproximadamente.

Así pues, me he decidido ha darle una nueva oportunidad al disco, después de mucho tiempo sin catarlo, a ver como sonaba tras una escucha detenida. Y no es que me haya volado la cabeza. Vamos a ver. El disco, que ciertamente podríamos en el heavy psych o blues rock psicodélico, está bien y tiene sus momentos pero simplemente no es uno de los ejemplos más brillantes que podemos encontrar en el estilo. En mi opinión acusa por una parte un sonido no muy bueno y por otra una ejecución a la que, para mí, le falta alma y contundencia.

Es verdad que en sí esta bien en el aspecto musical, basicamente un blues rock oscuro y ácido con una buena, aunque algo contenida, guitarra fuzz y donde bajo y batería acompañan bien. No así las voces, que suenan pobres y le restan bastante al sonido de Bulbous Creation. Son por tanto esos momentos, como en "Let's Go to The Sea" con esa parte final con el solo de guitarra o en temas con más brío, como "Under The black Sun" cuando despuntan los de Kansas, aunque en general, como decía, me da todo el rato la sensación de le falta enjundia, de que no acaba de explotar. Otro ejemplo es la aportación mínima que tienen los teclados en el álbum.

En fin, que sigue sin maravillarme y creo que definitivamente nunca lo hará. Es cierto que es un disco muy correcto y en un estilo que particularmente me encanta pero por unas cosas o por otras no me transmite como otros. Una pena!


lunes, 25 de diciembre de 2017

ORANGE SUNSHINE - Homo Erectus (HOL, 2001)

Podríamos decir que Orange Sunshine fueron, a comienzos de siglo, unos de los iniciadores del resurgimiento de un estilo de rock que miraba directamente a finales de los 60 y principios de los 70, y teniendo como referiencia principal en su propuesta a Blue Cheer, pero también el blues rock de Cream y Hendrix y la crudeza de las bandas de Detroit como Stooges, MC5 o incluso Frijid Pink.

Es curioso, por otra parte, que se mencione como influencia del grupo a una banda oscurísima (a la cual aprecio bastante) como es Stack Waddy, un trío inglés que practicaba un blues rock muy sucio, a caballo entre el hard rock, el garage y el punk y que dejó un par de discos muy interesantes y que ciertamente comparten con Orange Sunchine no solo sonido sino una peculiar actitud macarra y una gran visceralidad a la hora de ejecutar sus canciones.

Y decía lo de que curioso porque siempre me ha parecido que el tema que abre este disco "Hush Hush" era idéntico a otro de Stack Waddy llamado "Love Story" hasta tal punto de pensar que es una versión, cosa que creo que definitivamente habría que descartar y pensar que los holandeses se inspiraron sobremanera en Stack Waddy para componer esta canción.

Más allá de esto, que me parece casi que anecdótico, Homo Erectus no deja de ser un gran disco, quizá no desde el aspecto compositivo pero sí desde el emocional y desde las sensaciones que transmite a través de ese blues rock de actitud punk y cargado de fuzz, distorsion y mucho LSD, como no podía ser de otra manera.

Todavía dejaron un par de discos más después de este antes de desaparecer. Dos discos que siguieron la estela de este Homo Erectus aunque es cierto que perdieron un poco el factor sorpresa y para mí un poco también esa frescura que da el disco debut.

No es un álbum extraordinario pero sí que es un artefacto interesante para los que busquen indagar como iba naciendo a principios de siglo, todavía de forma tímida y dispersa, un movimiento revival que eclosionaría pocos años después.

Bandcamp


martes, 3 de octubre de 2017

ORANGO - The Mules of Nana (NOR, 2017)

Uno de los mejores discos que llevo escuchados en lo que llevamos de año es este trabajo del trío de Oslo Orango. Un grupo para mí desconocido hasta que descubrí a principios de año este The Mules of Nana, a pesar de que es ya su sexto álbum de estudio en quince años de trayectoria.

Lo que captura de The Mules of Nana es que está hecho con un gusto tremendo, con un balance acertadísimo de energía rockera y ganchos melódicos. Destaca especialmente el uso de armonías vocales, sobretodo en los estribillos, que a mí me recuerdan mucho a Crosby, Stills & Nash y que le dan una sonoridad a Orango muy especial que le hace sobresalir de ese hard rock estándar que muestran por ejemplo en el tema inicial "Heartland".

Y no es que sean un mal grupo cuando rockean, es más, es excelente, pero temas como "Heirs", "Born to Roll" o "Gime Me a Hundred", por poner algunos ejemplos, amplían ese registro y lo expanden a traves de gloriosas melodías y texturas de reminiscencias muy West Coast, haciendo de The Mules of Nana un disco que aunque enmarcado en el blues rock, hard rock, southern rock entre otros, resulte un disco de lo más variado y con muchos detalles que vas descubriendo con las sucesivas escuchas.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE: Born to Roll

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sábado, 23 de septiembre de 2017

SAMUEL PRODY - S/T (UK, 1971)

Excelente disco de hard rock primitivo, con bastante aire underground en cuanto a sonido y por supuesto en cuanto a repercusión, pero sorprendentemente bueno. El sonido de Samuel Prody es duro y bruto, y recuerda a otras bandas como Ancient Grease, Yesterday's Children, Sir Lord Baltimore o Blue Cheer.

Como suele ocurrir con este tipo de discos, lo que más me gusta de Samul Prody es esa confluencia de proto-metal, blues rock y rock psicodélico que caracteriza a estos trabajos y que con tanta naturalidad se entremezcla en sus temas. A esto hay que añadirle un sonido bastante crudo y poco pulido y una ejecución que es bruta pero que técnicamente es más que eficiente, con una buena sección rítmica y una gran guitarra solista. Asímismo, las siete canciones que forman el disco son muy disfrutables y este no tiene altibajos en un artefacto de descarnados sonidos de primitivo hard rock. Solo "Hallucination" se sale de la tónica general buscando un poco más el formato jam tribal en un tema con diferentes partes aunque nunca llega al exceso.

Solo dejaron este álbum este cuarteto de Brighton pero en mi opinión es una pieza de obligada escucha, un disco cuyas bondades musicales no se corresponden con su reconocimiento, puesto es poco conocido en comparación de otros de estilo y calidad similares. 

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Scat Shuffle"

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viernes, 23 de junio de 2017

CREEPY JOHN THOMAS - S/T (UK, 1969)


Puede que Creepy John Thomas sean solo una de las muchas bandas del underground del acid blues inglés que pululaban por ahí y que solo dejaron un par de discos que quedaban lejos de ser deslumbrantes, pero por lo que sea tienen algo, cierto toque personal que a mí personalmente me acabó tocando la fibra hace ya muchos años cuando los descubrí.

Tenía ganas por tanto de rescatar algo de esta gente así que me lancé a este disco homónimo con el que debutaron en 1969, al que le seguiría un disco de nivel similar al año siguiente titulado Brother Bat Bone (1970). El álbum es, como comentaba antes, un poco irregular en cuanto a que combina temas de potente sonoridad con otros más intrascendentes aunque lo que me gusta del disco es un poco su sonido en conjunto, ese blues que tiene algo de oscuro pero que al mismo tiempo conserva su toque ácido gracias sobretodo a la guitarra solista. El estilo del cantante también me mola bastante con esa voz carajillera que recuerda un poco a Stack Waddy o la Edgar Broughton Band, aunque no tan brusco como estos grupos.

Destacan cortes como "Gut Runs Great Stone", "You've Got to Hide", "Green Eyed Lady" o "Trippin Like a Dog and Rockin Like a Bitch", donde nos muestran esa peculiar combinación de blues rock, boggie rock y quasi-hard rock psicodélico, que infunde al asunto un aire como decía bastante personal con ese punto sucio que tiene el grupo. Después también encontramos algún tema un poco más de relleno quizá, como puedan ser "Bring Back The Love" o incluso "Ride a Rainbow" aunque tampoco es que haya temas que desentonen demasiado.

Un álbum para mí un puntito por encima del siguiente y que es muy interesante por su sonido y la verdad, me ha sonado mejor de lo que lo recordaba. Recomendable para fans del periodo. 


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Gut Runs Great Stone"

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jueves, 20 de abril de 2017

JOSEFUS - St (USA, 1970)

Josefus son una banda adorada en el mundillo del heavy psych setentero. Tal cosa es curiosa (aunque no extraña) por ser una banda marginal en su repercusión y popularidad a nivel general, pero en el pequeño círculo de los que nos movemos por el underground setentero quien más o quien menos está al corriente de este monstruo tejano.

Por unas razones u otras, es su primer álbum, Dead Man (1970) el que generalmente se destaca como el mejor aunque a mí el que más me gusta es este homónimo, aparecido el mismo año que su debut y que, en mi opinión, suena mejor, a pesar de no tener un tema como "Dead Man", la monstruosa jam de 17 minutos que cierra ese primer disco.

Sin embargo, en este segundo álbum encontramos diez tema de una duración la cual ninguno pasa de los seis minutos pero que en términos generales resulta más satisfactoria que en la anterior entrega. Para empezar el sonido es mejor, y no es que le de demasiada importancia a la calidad del sonido en este tipo de discos, es más, me gusta el toque cafre que tienen ya que es una marca de la casa, pero lo cierto es que aquí esa mejora le da como más empaque al asunto. Los temas en sí también me parecen superiores. Siguen estando en la misma linea de ese heavy acid rock de base bluesy y destellos country pero mejoran lo anterior para dejarnos una de las joyas heavy psych de este glorioso periodo de la música.

Una curiosidad que me pasa con este disco es que cuando lo escuché por primera vez descargado de internet contenía un tema que no era de este álbum sino que pertenecía a un single editado en 1979. El tema en cuestión es "On Account of You" y puede que sea mi canción preferida curiosamente. Así que esta casualidad, unido a que fue el primer disco que escuche del grupo, han hecho que sea mi preferido de Josefus al final.

De cualquier manera hay una buena sucesión de temas de la psicodelia más cruda y pasada de rosca en este Josefus: "Bald Peach", "Feelin' Good" o "Sefus Blues" valdrían como ejemplo. Solo "Jimmy, Jimmy" y el country de "Such is Life" se salen de la tónica general aunque no empañan el trabajo.

Una debilidad personal este disco. Aquí no hay grandes composiciones o cuidadas melodías, solo psicodelia cafre y trasnochada con el particular sello de Texas. Para que pedir más.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "Bs Creek"

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viernes, 17 de febrero de 2017

BURNING PLAGUE - St (BEL, 1970)

Personalmente siempre me llaman la atención, en cierta manera, los discos, (en especial de blues que parece en principio un género tan propio del folclore podríamos decir anglo-sajón) que como este de Burning Plague trasladan los sonidos blueseros a latitudes que en un principio podrían parecer inhóspitas para este género como este caso podría ser Bélgica. Aunque si miramos bien, la escena rock y blues del país vecino, Holanda, fue una de las más destacadas del periodo, al menos si nos fijamos en la cantidad-calidad de bandas como Cuby Blizzards, Livin' Blues o After Tea, por lo tanto no es de extrañar la aparición de este excelente disco en Bélgica en 1970.

Como debe ser en un disco de blues rock, destaca principalmente por el gran trabajo de guitarra que escuchamos en cada uno de los temas a cargo de la dupla Heslop-Capelle. Es posible que, como suele ocurrir en este tipo de discos, no contenga highlights,ya que es un trabajo bastante purista, pero al mismo tiempo esa homogeneidad es la que le da solidez y credibilidad al álbum de Burning Plague.

Es decir, que dentro de esa adhesión al más esencial sonido blues rock encontramos variedad y buena ejecución: temas acelerados y temas lentos, cortes y pasajes boogie rock e incluso momentos para el blues más de raices como en  "Follow The Road".

Otros temas destacados podrían ser la inicial "A38", "Night Travellin' Man" o la estupenda y guitarrera "Will I Find Somebody" aunque en mi opinión ninguno de los ocho temas está demás y es uno de esos discos disfrutables de principio a fin, si lo que te apetece es escuchar buen blues.


VALORACIÓN:  8-8'5

TEMA CLAVE: "Night Travellin' Man"

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viernes, 3 de febrero de 2017

TUCKY BUZZARD - Warm Slash (1971, UK)


Tucky Buzzard se formó en 1969 tras la desaparición del grupo de pop psicodélico The End, cuando tres de sus integrantes junto a un nuevo guitarra y un vocalista se unieron para dar lugar a esta nueva banda que dejaría la respetable cifra de cinco discos entre los años 1969 y 1973, siendo este Warm Slash su tercer y, parece que de forma unánime, su mejor trabajo.

Aunque por la portada pueda parecer otra cosa, pues se asemeja a la de un disco de heavy metal de diez años después, la música de su interior no deja de ser hard rock y bastante fino además, en el sentido en que sabe conjugar diversos elementos con bastante acierto y creando una obra bastante distinguible y con grandes aciertos.

Bajo el manto de la voz de Paul Kendrick, Tucky Buzzard componen temas de hard rock clásicos que recuerdan en muchas ocasiones a Led Zeppelin, como ocurre ya desde el principio con "Mistreating Woman" por ejemplo, pero el grupo pisa otros terrenos como el heavy psych en "Heartbreaker" o el progresivo en "Sky Balloon", respetando en todo momento la base blues como atestiguan cortes como "Burnin'" o la instrumental "Need Your Love".

Un teclado que aparece en ciertas ocasiones le da un aire diferente a la cosa. Es muy palpable en la citada "Sky Balloon" aunque también hace aparición en el tema más largo del disco: "Which Way, When For Why", quizá el momento más brillante de Warm Slash, una composición que tiene un poco de todo en sus ocho minutos de duración y donde el cantante hace unas muestras chillonas que hacen pensar en un estilo de vocalista más propio de grupos que vendrían décadas después. A mí personalmente me encanta como canta, me parece un puntazo.

Un disco que puede que no contenga ninguna canción de diez pero sí con un puñado de otras notables que gustarán a todo fan del hard rock de principios de los 70.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Which Way, When For Why"

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domingo, 22 de enero de 2017

FIELDS - St (USA, 1969)

Estupendo disco el de esta banda angelina que, para variar, solo dejó este trabajo para desaparecer posteriormente. Un trabajo de esos que tanto gustan por estos lares y que es un excelente ejercicio de psicodelia bluesy bastante dura y ácida. Un power-trio influenciado a partes iguales por el blues rock de Cream o Hendrix así como de la psicodelia americana, creando un artefacto realmente asombroso, y más teniendo en cuenta que no es una banda demasiado conocida. Aunque eso no nos debería extrañar a estas alturas.

Así pues, en la cara A nos encontramos cinco temas de acid rock bluesero y sudoroso, todos ellos de mucho nivel, con una guitarra que suena acojonante y con la particularidad en algunos temas de la presencia de la cantente soul Brenda Holloway haciendo los coros. Un punto más para Fields.

Por su parte la cara B es ocupada por un solo tema como es la monstruosa "Love Is The World", donde de nuevo las voces de Holloway toman protagonismo, así como la inclusión de vientos en un corte con muchas partes como no podía ser de otra forma teniendo en cuenta que dura 18 minutos. Lógicamente es algo irregular pero no por ello deja de ser un tema excelente.

Un disco muy recomendable.


VALORACIÓN:  8-8'5

TEMA CLAVE: "Elysian Fields"

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viernes, 13 de enero de 2017

THE DUES - Thief of time (SUI, 2016)

El trío suizo The Dues ya hizo su aparición en este blog cuando se coló hace no mucho en la lista de lo mejor del pasado año, siendo una de la las apariciones más interesantes del curso anterior.

Como comenté brevemente en su momento, The Dues son un trío a la antigua usanza. Obviamente el estilo recuerda a las bandas de finales de los 60 y principios de los 70 pero lo de The Dues va más allá, pues sus composiciones, su forma de ejecutarlas y su sonido parecen asombrosamente provenientes de esa época, como si el disco hubiera estado guardado en un baúl todo este tiempo para ser abierto ahora, para nuestro disfrute.

Aunque en su página de Facebook etiquetan su estilo como Heavy Rhythm and Blues, los sonidos de este Thief of Time se basan en el hard rock, el blues rock y la psicodelia y recuerdan a grupos como Cream, Cactus, Leaf Hound o Blue Cheer, y yo además los comparaba en esa breve entrada del Top 2016 con otro grupo actual como Radio Moscow, aunque como decía, les tira más el hard rock que a los americanos, con quienes comparten eso sí el amor por el más descarnado buen blues rock.

Así pues, nueve pepinazos y una demoledora versión de"Gimme Shelter" forman este monumento al rock setentero que es Thief of Time. Un disco que va mejorando a medida que van avanzando las canciones, pues aunque "Best" y "Sunny day" son buenos temas es con "Thief of Time" donde The Dues empiezan a demostrar de lo que son capaces y donde, a parte de directos y guitarreros, vemos composiciones más logradas, siempre con un sonido muy macarra y totalmente deudor del underground setentero. Otras destacables son "Water", "Jekyll" o "Silver Star", corte que he elegido como tema clave y que es sin duda uno de los mejores, aunque en conjunto es un trabajo muy solido, en el que nada está de más.

Así pues, otro discazo de rock revival que disfrutar. Un disco sin nada de pose y que apuesta con honestidad y convencimiento por los parámetros del heavy psych setentero actualizándolos al día de hoy.

Atentos estaremos por estos lares a estos suizos y esperemos que vengan más discos como Thief of Time en un futuro.


VALORACIÓN:  8'5-9

TEMA CLAVE: "Silver Star"

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sábado, 7 de enero de 2017

FREE - Tons of Sobs (UK, 1969)






Empezamos nuevo año traicionando un poco (solo un poco) la política de elección de discos de Stoned Guitar de rescatar joyas olvidadas, discos malditos y grupos del underground musical, y nos acercarnos esta vez a un grupo de sobra conocido como es Free.

Y digo traicionando solo un poco porque para un amplio sector, Free se reducen a Fire And Water y "All Right Now". Un gran disco y una canción legendaria pero que por sí solos son un pobre resumen de una banda grandiosa y con una excelente trayectoria, y que nos dejó discos como este Tons of Sobs, el mejor en mi opinión del cuarteto inglés, y que a menudo pasa desapercibido cuando se habla del grupo, siendo una auténtica maravilla como es.

Visto con la perspectiva del tiempo, este grupo y en especial este disco despiertan fascinación en mí. Es increible como cuatro chavales que no llegaban ni a los 20 fueron capaces de grabar un trabajo tan maduro y bien ejecutado como este. Tons of Sobs es una oda al blues rock. Un disco seminal dentro del estilo. No olvidemos que el álbum sale el mismo año que discos como el I de Led Zeppelin y aunque tendrían que esperar un año para el éxito con Fire and Water, este disco aglutina todo el potencial de una banda que debutaba de forma magistral.

Es por eso que rescato este disco de Free. Nunca serán reconocidos lo suficiente por Tons of Sobs. Pero ahí están "Worry", "The Hunter", "Walk In My Shadow", "Goin' Down Slow" o "Moonshine" para atestiguar la inigualable voz de Paul Rodgers, la maestría de Paul Kossoff, la habilidad y precocidad de Andy Fraser, sin olvidar el buen hacer de Simon Kirke a la batería. Una formación de ensueño, quizá, y solo quizá, en su momento más dulce.

Pensar que cuatro post-adolescentes de la actualidad fueran capaces de hacer un disco como este es pura ciencia-ficción. Por eso es tan grande este álbum. Un disco esencial dentro del blues rock. Un disco para disfrutar y deleitarse con una de las mejores bandas del rock siempre.


VALORACIÓN:  9'5-10

TEMA CLAVE: "The Hunter"

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domingo, 4 de diciembre de 2016

TIN HOUSE - St (USA, 1971)

Vamos a rescatar del olvido a este power-trio americano del que poca información circula por ahí y que, sorprendentemente, grabó este trabajo en 1971 con el sello grande como Epic, aunque su fama y repercusión fue nula. Y no es que ahora sea muy conocido ni mucho menos. Una pena, aunque ya estamos acostumbrados a estas cosas, pues por estos lares estos discos perdidos saben a gloria, aún con sus defectos.

El sonido de estos tipos recuerda por una parte a grupos de hard rock como Grand Funk, Frijid Pink, Leaf Hound o Highway Robbery pero por otra tienen en ocasiones un aire a los grupos británicos de blues rock y también a los grupos más duros de la psicodelia de finales de los 60. Como dato, y siguiendo con esa conexión con el blues, de las pocas cosas que se sabe que sus miembros es que su guitarrista, Floyd Radford, pasó después de esta aventura en Tin House a ser un habitual de la banda de Johnny Winter.

Un disco corto (el tema más largo no llega a los cuatro minutos) con canciones generalmente directas y muy guitarreras, con numeros brillantes en mi opinión como son "Personal Gain", "30 Weight Blues" o el mejor corte que para mí es "Silver Star", un tema que, junto a algún otro aún deja entrever ramalazos psicodélicos que complementan tan bien esa base hard rock.

Un par de temas menores no le restan demasiado al disco de Tin House y es mayormente una excelente colección de temas que conservan intacta la esencia de los grupos más o menos underground del hard setentero, siendo éste un ejemplar de los que vale la pena escuchar claramente.

VALORACIÓN:  8-8'5

TEMA CLAVE: "Silver Star"

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sábado, 22 de octubre de 2016

RED APPLE - Pow Wow (ESP, 2016)


Aunque tras diez años ya llevan cuatro discos a sus espaldas tengo que confesar que los madrileños Red Apple son un descubrimiento reciente para mí. Y vaya descubrimiento pues este Pow Wow es para mí, y ya desde el momento en que salió y tuve la ocasión de escuchar, uno de los discos del año.

La propuesta de Red Apple tiene todos los ingredientes para ser top en Stoned Guitar: hard rock, blues rock y una pequeña dosis de psicodelia, todo ello repartido en diez temas variados pero al mismo tiempo fieles a un estilo y a una forma de entender la música que comparto de tal manera que empaticé a los pocos segundos de escuchar esa bomba de adrenalina que es "We Could Stop It Right Now", corte que da inicio al disco de forma apoteósica.

Uno de los puntos fuertes del trío es que, aunque rescaten sonidos pasados, suenan frescos a lo largo de todo un disco que traspira autenticidad por todos sus poros. Convencen en temas como el citado o los siguientes "Save Me Rock And Roll" o "One Girl Band", de sonidos reconocibles pero dificiles de encasillar pues tocan diferente palos como blues, rock and roll o tiran a baladas como "Condescending Girl".

"Wish I Was There" es uno de los platos fuertes del disco y es en sí mismo un buen resumen del disco y de lo bien que suenan Red Apple. No me convencen tanto los doce minutos de "All You Need Is Pain" aunque lo encuentro casi entrañable por haber metido ese pedazo solo de batería interminable, que es como un canto de añoranza a nuestros amados setenta, donde los grupos tenían esa dichosa manía.

Otros temas destacables son "Go To School" o "Going To Formentera" y sobretodo la cover de Groundhogs "Cherry Red", un auténtico himno, que no solo no mancillan, sino que lo ejecutan de forma brillante y con la excelente aportación a las voces de la bajista Isabel Walsh y que en mi opinión le da un plus al tema. Me encanta esta cover.

Enorme disco y a seguir indagando en su discografía.

VALORACIÓN:  8'5/9

TEMA CLAVE: "Wish I Was There"

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lunes, 3 de octubre de 2016

SAM APPLE PIE - St (UK, 1969)

Vamos hoy con un poco de blues de la mano de los británicos Sam Apple Pie, otros desconocidos para el gran público, pues apenas cosecharon éxito con sus dos únicos discos, siendo su actuación en el festival de Glastonbury la fita más recordada de su corta trayectoria. Así son las cosas.

No he escuchado el segundo disco del grupo (East 17, 1973) pero este debut de Sam Apple Pie es más que interesante. Con todos los ingredientes que tiene que tener una banda de blues rock, que básicamente son buenas guitarras y mucho feeling, además de buenas canciones, la banda inglesa firma un trabajo notable y es de extrañar que haya pasado tan desapercibido. Ok, no inventan nada, pero en lo suyo me parecen muy buenos.

La inclusión de dos guitarras le dan un aire muy rockero al disco como atestiguan por ejemplo los temas que abren y cierran el disco, "Hawk" y "Moonlight Man" aunque en mi opinón el mejor tema no es el más hard rockero sino el más atrevido y psicodélico que es "Winter of My Love", un tema que se sale bastante de la tónica habitual en estos grupos con unos sonidos más que sugerentes. Hay otros temas de puro blues como "Sometime Girl", otros enérgicos o de boggie rock como "Tiger Man" o "Something Nation" e incluso una balada un poco descafeinada como es "Anabelle", con lo cual la cosa es bastante variada dentro de las limitaciones que marca el estilo.

Un disco de género, podríamos decir. Con sonidos clásicos pero muy bien ejecutados y con algunos temas como los citados "Winter of Love" o "Moonlight Man" especialmente acertados.

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Winter of My Love"

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lunes, 15 de agosto de 2016

MOUNT CARMEL - Real Women (USA, 2012)

Aunque la primera vez que escuche este Real Women no me impresionó demasiado, con las sucesivas escuchas empecé a preguntarme que demonios me pasaba por la cabeza para no darme cuenta de que estaba escuchando un disco que transpira calidad y autenticidad por los cuatro costados. No obstante, al poco tiempo me encontraba disfrutando del vinilo de este trío de Ohio y resarciéndome de esa primera impresión.

Lo cierto es que puede ser un disco que de primeras no diga demasiado, porque no tiene nada de especial musicalmente hablando. Tres tipos tocando hard blues rock muy de la vieja escuela tocando temas que parece que hayamos escuchado muchas veces en ocasiones anteriores. Los temas además no son muy extensos (ninguno llega a los 5 minutos, cosa rara en este estilo) por lo que tampoco intentan impresionar a base de largas improvisaciones o recargada instrumentación.

No obstante Real Woman es un disco que gana mucho en las distancias cortas. Y es que cuando empiezas a sumergirte en cortes como "Swaggs", "Oh Louisa" o "Lullaby" los acordes, ritmos y solos de Mount Carmel te retrotraen a grupos amados por toda la gente de bien: Cream, Led Zeppelin o los más recientes Black Crowes, así como los primeros Black Keys, todo ello con el inconfundible sello que le dan los yankis a esto del rock y el blues, estilos que llevan en la sangre los muy cabrones y que tan bien saben transmitir en sus discos y directos.

Un disco muy veraniego, ligero y refrescante e ideal para  acompañarlo de una buena cerveza y buena compañia para disfrutar de estos últimos días del verano.


VALORACIÓN:  8/8'5

TEMA CLAVE: "Oh Louisa"

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martes, 26 de julio de 2016

THE BLUES PROJECT - Projections (USA, 1966)





Hoy toca retroceder a los primeros días de la psicodelia. Corría el año 1966 y se daba inicio al movimiento con discos como Revolver de los Beatles, el Fifth Dimension de los Byrds o el Psychedelic Sounds de 13th Floor Elevatos, entre otros.

A ambos lados del Atlántico iban apareciendo bandas atraidas por los nuevos sonidos y que iban incorporando estas nuevas sonoridades a otras que ya llevaban de serie, como el blues o el country formando una amalgama de sonidos que al final representaban a esa generación de finales de década, que buscaban experimentar, descubrir y divertirse a través de la música.

Una de esas bandas que puso su granito de arena en el asunto fue Blues Project, una banda que quizá estaba predestinada a no durar mucho y no precisamente por falta de talento, sino más bien por ser un grupo donde cada integrante iba un poco por su cuenta y donde no había una cohesión o idea de grupo definida. Eran más bien músicos juntos tocando y ya.

De hecho el disco parece un directo. Suena como tal, como si sus integrantes estuvieran tocando en formato jam y dejándose un poco llevar por la música. Y bueno, al final esto es como todo y acaba siendo uno de sus alicientes, supongo.

Con todo, lo que más me gusta de este Projections además de, lógicamente, temas concretos como "I Can't Keep From Crying", "Steve's Song" o "Wake Me, Shake Me", es que es uno de esos discos que como decía anteriormente recogen en un mismo álbum diferentes tipos y estilos de músicas que se daban en los 60 y forman un testimonio valioso de esa gloriosa época. Porque si en algo se caracteriza este grupo y disco es la variedad: blues, pinceladas de psicodelia, de jazz, algo de folk, muestra todo ello de que sus integrantes pues, iban haciendo cada uno la guerra por su cuenta también.

Un gran disco. Uno de los más interesantes y menos conocidos de un año fundacional en esto del rock.

VALORACIÓN:  8'5/9

TEMA CLAVE: "I Can't Keep From Crying"

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martes, 12 de julio de 2016

ALL THEM WITCHES - Our Mother Electricity (USA, 2012)


All Them Witches son para mí una de las mejores bandas del panorama actual. Les acreditan sus, hasta el momento, tres discos, todos ellos en mi opinión de notable para arriba, siendo este, el primero, mi preferido de ellos.

Hay una cierta evolución entre este álbum debut, más directo, más espontaneo, y el sonido introspectivo, pausado y perturbador del último disco de All Them Witches (Dying Surfer Meets His Maker, 2015) y yo la verdad es que los encuentro en las dos facetas igual de convincentes.

No obstante, si tengo que elegir me quedo con los sonidos de este Our Mother Electricity. Un disco que para mí pasa de puntillas por el stoner rock convencional para tocar otros estilos que le dan una versatilidad y una frescura tremenda: blues rock, southern, rock psicodélico, junto con el citado stoner, forman una mezcla que suena a las mil maravillas.

No sobra nada en este trabajo. Desde el comienzo con "Heavy Like a Witch" hasta el último tema, la enorme "Right Hand", todo es aprovechable en este debut de los de Nasville. Hits como la bluesera "The Urn", ese medio tiempo de sabor tan americano como es "Elk.Blood. Heart" o el tema de 8 minutos "Until It Unwinds" por citar algunas, aunque como ya digo me gustan todas de principio a fin.

Es curioso por que este disco ha quedado un poco a la sombra del segundo disco de la banda (Lightning At The Door, 2013), un álbum que sería el de la consagración del cuarteto americano y seguramente el más aclamado hasta el momento, a pesar de que a mí me sigue pareciendo mejor el que hoy nos ocupa. Un disco, éste, sin duda infravalorado.


VALORACIÓN:  8'5 / 9

TEMA CLAVE: "The Urn"

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sábado, 4 de junio de 2016

5 TEMAZOS DE...

THE DOORS



Tenía esta entrada más o menos hecha cuando murió Bowie y al dedicarle al final los 5 temazos al Duque Blanco se quedó ésta por rematar. Así que ahí van otros ilustres, The Doors, una banda que trasciende a gustos o estilos y que no necesita ninguna presentación. 

Seleccionar cinco temas de su trayectoria es realmente complicado, así que me he propuesto no poner sus temas más trillados: "Break On Throught", "Light My Fire", "The End" o "Riders On The Storm" (que para eso ya tenéis la Rock FM) y seleccionar otros igualmente geniales y que quizá no estén tan usados. Además, he intentado que estén representados sus mejores álbumes, los cinco primeros saltándome, claro está, el Soft Parade :p

 

-"Soul Kitchen". De su enorme disco debut, uno de esos temas que no me llamó la atención al principio pero que gana mucho con el tiempo y las escuchas. Temón.

- Los Doors fueron capaces de sacar dos discos inconmensurables el mismo año 1967 y posiblemente sean mis dos álbumes preferidos del grupo. Perteneciente a Strange Days aquí está la irresistible "Love Me Two Times".

De ese discazo que es Morrison Hotel y cultivando la faceta bluesera de esa manera que tan bien los Doors sabían hacer: "Roadhouse Blues"

Para cerrar el disco Waiting For The Sun un tema no muy conocido pero que me encanta: "Five To One"
El disco L.A. Woman para mí está casi al mismo nivel que los dos primeros de los Doors. Aquí todos los temas son de notable para arriba. Esta vez el elegido es "The Changeling".




miércoles, 11 de mayo de 2016

SLOW SEASON - Mountains (USA, 2014)



Es difícil molar más que Slow Season. A través de su propuesta, que puede sonar a mil veces vista, de hard rock y blues rock pero que está tan bien ejecutada y conseguida que encandila fácilmente a los que, como un servidor, nos derretimos por este tipo de sonidos clásicos y siempre tan efectivos.

Es verdad que suenan muy mucho a Led Zeppelin (ya desde el inicio con Sixty-Eight, que recuerda tanto a Good Times Bad Times) pero al final saben desmarcarse, en mi opinión, de los Zep y hacer suyo ese sonido que, al final, es patrimonio del ser humano y todos debemos disfrutarlo sin mirar quien tiene la patente.

Y es que las referencias a los amados 70 no acaban aquí obviamente, también recuerdan a Black Sabbath en otros cortes como Damo's Days, o hasta los Rolling Stones en Ain't Gonna Listen aunque podría nombrar otros grupos que me vienen a la cabeza como Ten Years After o Cream, aunque es cierto que a lo que más suenan es la banda de Page & cia, pero no tanto como en su debut (Slow Season 2012), donde se parecen tanto que es hasta mosqueante.

Con todo, con sus pros y sus contras, a mí este Mountains me ha parecido tan disfrutable, tan directo y tan fresco que soy incapaz de achacarle su falta de originalidad y tengo necesariamente que dejarme llevar por su canciones, que no dejan de ser un homenaje al mejor rock clásico setentero.

Un disco para disfrutar y una banda para tener en cuenta, sobretodo si saben desempolvarse un poco esa sombra zeppeliana (aunque no del todo). Para empezar, su tercer disco sale este verano y creo que promete bastante.


VALORACIÓN:  9

TEMA CLAVE: "Shake"

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martes, 29 de marzo de 2016

AUM - Bluesvibes (USA, 1969)

Y vamos hoy con un disco de blues rock, no de los primeros espadas, pero sí uno bastante potable el que nos presentan estos californianos. Una banda que, dicen, destacaba en sus directos, donde solían protagonizar jams típicas de la época aunque aquí en su primer disco de estudio se muestran notablemente más contenidos, siendo igualmente un más que meritorio trabajo de blues rock con influencias psicodélicas.

 El disco, no vamos a engañarnos, es un disco para fans del género. Sin sobresalir en ningún aspecto pero dando una buena ración de blues de influencias West Coast, empieza con la cover "Tobacco Road", aunque los mejores temas son los propios, como "Chilli Woman" o "You Can't Hide", temas más frenéticos aunque también hay tiempo para cortes lentos como en "A Little Help From You", y en su conjunto los siete temas forman un trabajo muy disfrutable y sin demasiadas pretensiones, lo cual a veces es de agradecer.

Un álbum para sumergirse en el siempre apetecible blues rock de finales de los 60, que aunque no sea el ejemplo más brillante sí que es de los que hace disfrutar a los aficionados de este tipo de sonidos.

VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Chilli Woman"

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