ORANGE SUNSHINE - Homo Erectus (HOL, 2001)

Podríamos decir que Orange Sunshine fueron, a comienzos de siglo, unos de los iniciadores del resurgimiento de un estilo de rock que miraba directamente a finales de los 60 y principios de los 70, y teniendo como referiencia principal en su propuesta a Blue Cheer, pero también el blues rock de Cream y Hendrix y la crudeza de las bandas de Detroit como Stooges, MC5 o incluso Frijid Pink.

Es curioso, por otra parte, que se mencione como influencia del grupo a una banda oscurísima (a la cual aprecio bastante) como es Stack Waddy, un trío inglés que practicaba un blues rock muy sucio, a caballo entre el hard rock, el garage y el punk y que dejó un par de discos muy interesantes y que ciertamente comparten con Orange Sunchine no solo sonido sino una peculiar actitud macarra y una gran visceralidad a la hora de ejecutar sus canciones.

Y decía lo de que curioso porque siempre me ha parecido que el tema que abre este disco "Hush Hush" era idéntico a otro de Stack Waddy llamado "Love Story" hasta tal punto de pensar que es una versión, cosa que creo que definitivamente habría que descartar y pensar que los holandeses se inspiraron sobremanera en Stack Waddy para componer esta canción.

Más allá de esto, que me parece casi que anecdótico, Homo Erectus no deja de ser un gran disco, quizá no desde el aspecto compositivo pero sí desde el emocional y desde las sensaciones que transmite a través de ese blues rock de actitud punk y cargado de fuzz, distorsion y mucho LSD, como no podía ser de otra manera.

Todavía dejaron un par de discos más después de este antes de desaparecer. Dos discos que siguieron la estela de este Homo Erectus aunque es cierto que perdieron un poco el factor sorpresa y para mí un poco también esa frescura que da el disco debut.

No es un álbum extraordinario pero sí que es un artefacto interesante para los que busquen indagar como iba naciendo a principios de siglo, todavía de forma tímida y dispersa, un movimiento revival que eclosionaría pocos años después.

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WITCHCRAFT - St (SUE, 2004)

Hablar de Witchcraft es hacerlo de una de las bandas más importantes dentro del movimiento revival no solo en Suecia sino a nivel mundial. El grupo, comandado por el guitarrista Magnus Pelander, dio sus primeros pasos como proyecto de versiones de Pentagram y Roky Erikson hasta que en 2004 editó su primer disco con Rise Avobe Records. No obstante habría que remontarse a finales de los 90 para ver el inicio de todo esto con la banda Norrsken, un proyecto que no llegó a grabar ningún disco pero si que dejó eps y grabaciones que podrían ser el germen de todo este vintage sueco, como el titulado Hokus Pokus (1996), una auténtica joyita de cuatro canciones de atronador heavy psych.

Witchcraft pueden presumir de poseer una discografia excelente con sus cinco discos, aunque personalmente me quedaría con los tres primeros, los discos que más genuinamente muestran el sonido que ha hecho grande a los de Orëbro. Y no es que sean malos discos Legend (2012) o Nucleus (2016) pero son diferentes, cada uno a su manera.

La reseña por tanto, aunque es de este primer disco, sería ampliable a sus dos siguentes trabajos, quizá más redondos y más pulidos en cuanto a sonido y composiciones, aunque todos tres de un nivel similar. Lo más remarcable en Witchcraft es esa fusión de sonidos doom y hard rock setentero en la que son pioneros y que tantas bandas han tratado de imitar después. Riffs pesados que nos hacen acordarnos irremediablemente de Black Sabbath y que son la base principal del sonido de unos Witchcraft que también toman de las bandas clásicas del doom, y que logran a pesar de las marcadas influencias crear un sonido propio y capturar esa atmosfera setentera haciéndola suya.





PD: DEP Chris Cornell.




VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Witchcraft"

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DEAD MEADOW - ST (USA, 2000)

Estamos hoy ante uno de los discos menos accesibles de los que han pasado por Stoned Guitar. Un disco que, no obstante, conecta perfectamente con la carta de estilo de este blog, dedicado a los sonidos psicodélicos, pesados y guitarreros en toda su amplitud. Un disco que me horrorizó a la primera escucha pero por el que ahora siento fascinación.

Provenientes de Washington, Dead Meadow crecieron al amparo de la pequeña escena punk del DC, con bandas como Fugazi, aunque ellos bebían más de otros como Led Zeppelin, Black Sabbath o 13th Floor Elevators. Según su guitarrista y cantante Jason Simon, la forma de llamar la atención en una escena rodeados de punks fue sumergirse en los sonidos de estas bandas y empezar a tocar canciones de diez minutos con solos largos y riffs pesados, aunque hubo que moverse a California, con una escena psicodélica más establecida. Y ahí empieza la historia de Dead Meadow con, hasta el momento, ocho  discos a sus espaldas.

El que hoy nos ocupa, el de su debut, es mi preferido por el momento y yo creo que difícilmente otro disco del grupo le va a quitar el puesto a este gran trabajo. Y eso que, como decía antes, en mi primer contacto con el disco no hubo mucho feeling. Se juntaron dos cosas: una, que esperaba algo más clásico tirando a rock/psicodelia 70's; y dos, la voz de mierda del cantante me molestaba sobremanera.Y es curioso porque, aunque me he acostumbrado, me sigue irritando la voz de Jason Simon, que sigue siendo el motivo por el que mucha gente reniega un poco de escuchar a Dead Meadow.

Y si la voz es el punto flojo, lo fuerte viene en la instrumentación, que acapara todo el protagonismo y minimiza lo anterior. Porque Dead Meadow es una avalancha de distorsión, riffs y atmósferas alucinadas, que toma su referencia en la psicodelia de finales de los 60 pero que la filtra bajo los estándares del lo-fi y el stoner más o menos alternativo, creando un vínculo entre lo viejo y lo nuevo realmente genuino y que parece fluir, de la mano de este power-trío, de manera natural y sin forzar de ninguna manera.

En el disco predomina el desenfreno fuzz y los riffs distorsionados como en "Indian Bones", "Lady" o la impresionante "Beyond The Fields We Know" y oxigena un poco el ambiente con los cortes "Dragonfly" y "At The End Of The World" quedando un álbum igualmente denso, espeso y perturbador.

Un viaje que renueva los códigos del rock ácido tomados de Blue Cheer y 13th Floor Elevators y los presenta a un nuevo siglo de forma novedosa y sin impostar. Lastimosamente, nuncá sera reivindicada y reconocida como se merece la propuesta de Dead Meadow, pues no es suficiente cool para modernos ni suficientemente clásica para clásicos. Aunque no sé, quizá me equivoque.

Por último comentar que, después de este disco ya no me sorprendieron tanto Dead Meadow (de lo que llevo escuchado), aún así, siguen teniendo álbumes más que interesantes que vale la pena escuchar.


VALORACIÓN:  8'5/9

TEMA CLAVE: "Beyond The Fiels We Know"

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JPT SCARE BAND - Sleeping Sickness (USA, 2000)

Uhm, esta es una banda que todavía tiene muchos misterios para mí. Bueno, y supongo que tampoco seré el único que está así porque la historia de este trío de Kansas no parece ser demasiado conocida, cosa por otra parte normal sí atendemos a que no fue hasta los 90 cuando el grupo decidió empezar a recopilar y editar su material grabado en los 70.

Este recopilatorio fue lo primero que llegó a mis oídos de la JPT Scare Band. Recuerdo cuando empezó a correrse la voz por los foros de internet de la existencia de este monstruo heavy psych y como algunos flipamos ante estas bestias pardas al descubrirlo. Después han seguido sacando otros álbumes aunque fue este, el del descubrimiento, el que me golpeó con más fuerza.

Simplificando la cosa, el disco lo forman siete temas de desparrame total. Siete temas prácticamente instrumentales donde casi todo son jams de psicodelia guitarrera y donde los temas lejos de tener una estructura son básicamente pura improvisación y de hecho, parece un directo aunque son todo temas grabados en el estudio entre 1973 y 1976.

El disco, para ser claros, es irregular, aunque en parte esa es su gracia. Los temas son extensos y, como decía, tienden a la improvisación aunque si no atendemos tanto a las composiciones como a su sonido, JPT  Scare Band es, como su nombre indica, un artefacto temible, capaz de producir las jams ácidas más destructivas que te puedas encontrar en la década de los 70. No hay respiro para todo ese fuzz, wah-wah y frenesí instrumental, de un trío que no pone el énfasis en la estructura sino en la interacción entre sus componentes, al servicio de esa sonoridad que bebe tanto de Hendrix como de la psicodelia, el blues ácido y el hard rock de principios de década.

Un disco excesivo, hijo del momento. Un recopilación de temas que representan un concepto de jam muy particular en los 70 y del cual te puedes empachar en estos 70 minutazos de desenfreno guitarril.

VALORACIÓN:  9

TEMA CLAVE: "Sleeping Sickness"

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WOLFMOTHER - St (AUS - 2005)

Me apetecía reivindicar hoy este disco de un grupo a veces tan criticado como es Wolfmother. Un grupo el australiano, que aunque parecen ya perdidos para la causa, sí que es cierto que facturaron un par de discos (este y el siguiente Cosmic Egg, 2009) ,bastante potables y que están mejor de lo que en principio puede parecer.

Sin ser ninguna maravilla técnicamente, ni un portento de originalidad, lo cierto es que este debut de Wolfmother es ya un clásico de este siglo, lanzado en su momento a la fama en parte por el portentoso hit "Woman", tema que ha trascendido la propia fama del grupo o del disco y que hemos escuchado mil veces acompañando series, películas u otras historias.

Pero no es sólo "Woman" este disco. Además de este tema encontramos otros igual de destacables e igual de potentes, empezando por ese fantastico inicio con "Colossal", pasando por otros tantos como "Mind's Eye", "Pyramid", "Joker And The Thief"o la genial "Dimension", sin duda uno de los temas más conseguidos de todo el álbum.

Centrándonos un poco en el sonido del disco, lo que encontramos aquí es una colección de temas que se mueven siempre entre el stoner y el hard rock. Y bueno, es una coletilla siempre que se habla de este grupo decir que se parecen mucho a Led Zeppelin. Pues bueno: ni sí ni no. Es decir, no más que otros grupos. Sí que recuerdan en algunos aspectos, pero ni por asomo es una copia, pues Wolfmother es algo más primario y mucho más directo. Y desde luego sin esa base blues rock zeppeliana. Hay incluso quien habla también de copia de Jethro Tull, total porque en un tema suena una flauta, como si ese instrumento tuviera el copyright del grupo de Ian Anderson. Aquí la flauta es anecdótica. En poco se parece Wolfmother a Jethro Tull.

Por resumir, lo que aquí suena es una mezcla del hard rock setentero con el stoner que se venía haciendo en el momento y con una pizca de White Stripes (un grupo muy de moda en el momento del disco), como atestiguan temas como "Apple Tree".

Un disco que, con sus limitaciones pero también con muchos aciertos, puso su granito de arena en la explosión del retro-rock en un momento en que todavía no era tan habitual ver bandas que miraran tanto a los 70. Y lo hizo con una propuesta que, aunque no inventaba nada sí que tenía, casi si quererlo, un sello bastante personal que, lamentablemente, se fue deteriorando con los discos siguientes.


VALORACIÓN:  8

TEMA CLAVE: "Woman"

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MERMAID - Red Led or Death (ESP, 2003)

He de reconocer que no soy muy aficionado al rock patrio, quizá no me acabe de gustar como suena el idioma de Cervantes en este tipo de música o quizá tenga cierto prejuicio, no se. Y a lo mejor el hecho de que canten en inglés hace que me gusten los navarros Mermaid, pero, eh, también su música tendrá algo que ver, digo yo.

Este Red Led or Death es el tercer y ya último disco de la formación que empezó un poco antes en 1999 con el álbum From Here to Nowhere, seguido del High Dimension is the Direction en 2001 donde practicaban un potente stoner rock y que quizá sea su disco más aclamado.

A mí sin embargo, y sin haber escuchado el primero, el que más me gusta es el Red Led. Menos pesado y denso, Mermaid aparcan en parte su lado más stoner y se acercan al hard rock setentero más enérgico aunque sin olvidar sus principios. Las canciones son más cortas y directas, las voces suenan mucho mejor y no están tapadas por guitarras excesivas que esta vez tienen un sonido mucho más puro y nítido y van mucho más directas al grano.

Hay que destacar el disco en su conjunto, aquí no hay relleno, todo es más que aprovechable. Para mí uno de los mejores discos hechos en este país últimamente.

VALORACIÓN:  8'5

TEMA CLAVE:  "Boots Nights"

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GRAVEYARD - St (SUE, 2007)

Y vamos con una de las mejores bandas de la actualidad, una banda que es 100% Stoned Guitar. Una banda proveniente de Suecia, y ello no es ningún hecho casual. Algo está pasando ahí arriba porque no es normal la cantidad de grupos que estan regenerando el género, y más teniendo en cuenta que no es un país con demasiada población.

Herederos de la tradición hardrockera de November, Graveyard llevan ya a estas alturas unos cuantos discos a sus espaldas siendo este el debut, una más que notable carta de presentación.

Hard rock setentero con altas dosis de pureza. Lo cual me encanta, porque no se va hacia el stoner más machacón, ni tampoco hacia cosas heavilongas, sino que conserva ese espíritu y ese sonido que los amantes del rock viejuno queremos. El grupo la verdad es que es muy completo, tiene buenas guitarras, el cantante es muy bueno y ningún tema flojea, todo el disco es bastante compacto.

Para mí, junto con Radio Moscow, una de mis bandas favoritas de la actualidad. Así pues, mientras  Radio Moscow tiene preferencia por el blues rock y una guitarra frenética, lo de Graveyard está más pegado al rock clásico y combina a la perfección fuerza, melodias y buenas composiciones.

Una banda cojonuda y un disco debut espectacular. Y lo mejor aún está por venir.


VALORACIÓN:  9/9'5

TEMA CLAVE:  "Blue Soul"

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RADIO MOSCOW - Brain Cycles (USA, 2009)

Vamos a parar brevemente la máquina del tiempo, (detenida habitualmente en la época dorada del rock), para viajar a la actualidad, donde en mi opinión estamos viviendo un nuevo gran momento del género heavy psych.

Las décadas de los 80 y 90 no fueron en absoluto prolíficas en cuanto a estos sonidos y todo se torció hacia neo-psychedelia u otras mierdas, por suerte a partir de los 2000 nuevos grupos aparecieron para reavivar el género.

Allá por el 2007 Radio Moscow empezó su contribución a este resurgimiento con uno de los discos más destacados de los últimos tiempos, su debut "Radio Moscow" un pelotazo de heavy blues rock que recordaba a las bandas de los 70 pero modernizaba su sonido convirtiéndose rápidamente en clásico.

La música que encontramos en este "Brain Cycles" es muy similar pero es todavía mejor. Una vuelta de tuerca a ese heavy blues, con mejores temas, más potentes y una guitarra de Parker Griggs brutal, seguramente de las mejores de la actualidad.

Para quien todavía no los haya escuchado, Radio Moscow sería algo así como si los primeros The Black Keys se fusionaran con Earthless. Posiblemente mi banda favorita de la actualidad.

VALORACIÓN:  9'5/10

TEMA CLAVE:  "No Good Woman"

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